La Ciencia Infusa

Post Lost. Preguntas, respuestas y un perro llamado Vincent.

2010-05-26T22:08:00.029+02:00

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*** ALERTA DE SPOILERS *** ***ALERTA DE POST INTERMINABLE... ***

¿Qué es la isla?

Un símbolo de la protocultura y el orígen divino mezclado con ciencia moderna y ecuaciones matemáticas para darle legitimidad narrativa.

La isla de Lost es un diseño narrativo brillante que intenta explicar el orígen de todo sin darnos una sola respuesta eficaz sobre nada. Es el mecanismo básico que se esconde detrás de la fe religiosa. Y con ayuda de la ficticia "Ecuación Valenzetti" y algunas teorías de la física cuántica moderna, se rodea de legitimidad científica para inyectarnos a traición en sus compases finales con una dosis de rito y religión.

En El Juego del Ángel de Carlos Ruiz Zafón, el protagonista es un joven escritor. Un misterioso personaje le encarga que diseñe y escriba una obra que destile y ejemplifique de forma eficaz las grandes escrituras sagradas y religiosas. Escribe un libro que condensa la mística universal y congrega los pensamientos y doctrinas de los grandes textos de la historia.

Algunos autores modernos son víctimas del síndrome Wikipedia. El acceso a toda la historia y la cultura a través de internet les empuja a crear un máximo común denominador universal que les haga triunfar ante las audiencias. Un proceso similar al que hizo Lucas con su saga Star Wars y su religión basada en "La Fuerza" hace 30 años. La búsqueda de la panacea narrativa es un tic propio de la década que acaba, y obsesiona a muchos autores haciéndoles crear teorías aglutinantes y paracientíficas.

El bien y el mal en forma de hermanos fraticidas es la génesis. La madre protectora y castradora arranca un ciclo sin fin de avatares de la luz y la oscuridad. En esa transición de la vida a la muerte existe un sendero recurrente, el que conduce hacia la luz. Caroline (la de Poltergeist) intentaba alejarse de ella, en la tradición occidental del túnel de luz divino que nos acoje en el otro mundo. Desmond tiene una particular habilidad para caminar por el túnel sin perderse dentro.

El tapón de la bañera ha sido quizá el símbolo más cómico en la construcción de esa mitología protocultural. El corcho de la botella es una piedra con inscripciones que quisiera emular la épica de Atlas aguantando el mundo pero que acaba como el botón rojo de un villano de opereta en la guerra fría de los años 50.

El tapiz que Jacob teje en su covacha representa esa hermosa tradición de oriente medio que habla de los hilos que conforman el tejido de la humanidad. El hombre de negro corta un trozo de ese tejido espacio-tiempo para fabricarse su "loophole", un agujero en la línea temporal que le permita salir de allí, en contra de la lógica y la tradición establecida desde el principio de los tiempos.

La luz y el agua son los elementos esenciales de la vida en las principales religiones y doctrinas del mundo. La luz y el agua del corazón de la isla no deben apagarse, o el mundo supuestamente acaba. El fluído de la vida no debe cortarse. El humo negro, denso y de sonido mecánico representa el caos y la destrucción. Se trata del miedo sin forma, sin cuerpo, sin formas reconocibles pero con ojos propios. La mirada del abismo de Nietzsche. El abismo al que John Locke se asoma.

Las estatuas y templos egipcios adornan la isla, vestigios de visitantes milenarios que dejaron su huella. Otras construcciones recuerdan a los estilos que florecieron en oriente medio durante el neolítico. Ese pedazo de tierra flotante y saltarín se antoja que sea la cuna de la vida, tantas veces cacareada y situada en algún lugar al norte de África. Algunos señalan a la cultura atlante, datada en épocas prehistóricas.

La selva hawaiana en la que han rodado durante 6 años se disfraza de Jardín del Edén, de Shambhala, de Olimpo, Inframundo o quizá una suma de todos ellos adornada de artefactos y monumentos de diferentes épocas que la pueblan como si fuera un parque temático. El avión de Oceanic 815 es la última atracción añadida. Los planos finales de los créditos son la presentación en sociedad de la nueva montaña rusa que han construido en esa isla eterna de diversión, en esa isla fantasía.

Para los fanáticos y los de tendencia autodestructiva, la ABC preparó una serie de actividades, páginas web y elementos interactivos que tejen una maraña pseudocientífica al amparo de algunas líneas argumentales de la serie. Esa maraña de teorías conspiranoicas se llama "Lost Experience" y soluciona un buen número de incógnitas al respecto de la Iniciativa Dharma y la Corporación Hanso.

Los números 4, 8, 15, 16, 23, 42 son los 6 factores numéricos de la "Ecuación Valenzetti" que la Iniciativa Dharma intenta alterar mediante la fuente de energía electromagnética de la isla. La ecuación es una profecía matemática sobre el fin del mundo, por lo tanto es evidente el objetivo de la Dharma en este caso, evitar el apocalipsis alterando uno de los 6 factores.
Las instalaciones de la isla y en concreto "The Swan" están diseñadas con ese objetivo. Amamantados con la fortuna del millonario Alvar Hanso, descendiente del capitán de la "Black Rock", nave que transportaba a Ricardo Alperto (sobrado bilingüe) desde Tenerife al nuevo mundo en calidad de esclavo. Ese parentesco de varias generaciones ha transmitido las coordenadas de la isla y parte de sus secretos. Así pues, el huidizo Hanso monta un circo de tres pistas en los años 70s bajo un logo que quedará grabado en la cultura contemporánea.

Otros visitantes ilustres de la isla fueron los soldados del ejército norteamericano que llegaron en 1954 con una hermosa bomba de hidrógeno para hacer pruebas en terreno despoblado. Salvo que en la isla estaban "Los Otros" y los acabaron matando, dejando un rastro de objetos militares que luego los Losties irían encontrando, siendo la bomba el más útil de todos.

Tampoco olvidemos la curiosa novela "Bad Twin" (gemelo malvado...) que lee Sawyer en la temporada 2. El autor es Gary Troup, anagrama de PURGATORY... y forma parte de la lista interminable de inputs misteriosos que pueblan Lost desde sus comienzos pero que siguen sin respuesta, huérfanos, en un hospicio para proyectos brillantes que no tuvieron un final satisfactorio.

¿Qué les ocurre a los personajes?

Que se mueren. ¿Pero cuándo se mueren? Ahí está la trampa sin respuesta. Porque las pistas llevan a callejones sin salida y a dar vueltas en círculo. Todos los senderos que recorren Jack y los demás una y otra vez se pierden en divagaciones filosóficas acerca de la soledad. Hasta el desconcertante momento en el que Jacob les echa en cara sus vidas disfuncionales, parecen no darse cuenta. Los Losties están tan perdidos como nosotros. Todos estamos perdidos, todos estamos en la isla, aún ahora, elucubrando soluciones al puzzle. Sobran piezas y no hay una foto para usar de referencia.

Han construído entre todos, a modo de inconsciente colectivo ese lugar de transición. Esa mitología diseñada en el espacio común entre mitos y religiones que les proporciona una salida a su muerte violenta. O quizá todo el mundo atraviesa por esa última aventura de textura onírica antes de partir hacia el siguiente estadio del ser. En cualquier caso, la isla es un emplazamiento ritual, que destruye para reconstruir despues. Que usa la ciencia para convertir a la fe.

Emisión patatera de Cuatro

La retransmisión de Cuatro fue un desastre. Se perdieron alrededor de 9 minutos de emisión a mitad del primer capítulo. Las caras que se nos quedaron al ver aparecer a la pandilla al completo buscando la cueva luminosa fueron impagables. Pero "El Incidente" nos puede servir para entender algunos de los mecanismos de una serie como Lost, de temática pseudo-científica y tono místico.

En el momento de la fallida emisión, la reacción inicial fue de sorpresa en algunos casos, dada la extraña elipsis. La escena de Jack y Locke en el pre-operatorio y el hallazgo de Lapidus no resultaron piezas fundamentales que echáramos de menos. La mini-revelación de Richard Alpert con su pelo blanco recién hallado tampoco se echó en falta, porque probablemente nadie hubiera esperado ese pequeño cierre de personaje tan curioso.

Lo interesante del asunto radica en los televidentes que no apreciaron nada raro aparte de los subtítulos erráticos. En aquellos que asumieron el corte como elipsis. Una elipsis salvaje más en este vertiginoso final de temporada y serie, donde las revelaciones se amontonan esperando su turno para entrar al lavabo. Un final de temporada que necesita finiquitar en 45 minutos la historia de la isla ("Across the sea") despues de haber malgastado un arco argumental completo de varios capítulos con el japonés de la pastilla de té verde y su amigo Lennon.

¿Cómo se escribe Lost?

Con mucho desparpajo, valentía e inconsciencia. Porque los guionistas han recorrido los diez mil metros descalzos, mientras nosotros íbamos en coche, animando y vitoreando todo el camino.

Cuenta la leyenda que pasaron sólo once semanas desde el pitch del proyecto (la presentación de la idea a viva voz ante los productores de ABC) hasta la entrega del capítulo piloto completo. Algo inaudito en las interminables esperas que acompañan a los proyectos de cine y TV en EEUU. Probablemente fue gracias a que Lloyd Braun, el ideólogo original, era el jefe de la ABC...

Aunque lo realmente hilarante del asunto es que los ejecutivos de Disney, compañía madre de la ABC, despidieron a Braun poco antes del estreno de Lost por las bajas audiencias de sus otras series y por haber dado luz verde a un descabellado piloto de 14 millones de $ sobre unos supervivientes de accidente aéreo en una isla desierta...

Desde el principio buscaron el apoyo de J.J. Abrams, que aportó el tono sobreanatural al plot básico de los supervivientes en la isla. Junto con Damon Lindelof, el director de Star Trek escribió la "biblia" de la serie (documento maestro con toda la información básica y las estructuras narrativas) y planificaron cuatro temporadas. Abrams es una figura clave en el éxito de Lost y la gestión del misterio y el marketing.

Explicar el proceso de escritura de una serie y los mecanismos de producción es harto complicado y extenso. Pero es fundamental entender el proceso creativo e industrial de una serie sindicada norteamericana. Se trata de descubrir que no se puede cerrar una serie desde el principio y que han ido escribiendo sobre la marcha, como cualquier otro proyecto, aunque las bases conceptuales estuvieran presentes en la dichosa biblia.

Los castings son parte fundamental. Se reescriben personajes, se eliminan unos, se añaden otros. Se recuperan personajes desaparecidos o muertos por arte de magia de guión y se hacen triquiñuelas como la de usar a un personaje muerto para interpretar a otro (Locke y el humo negro). Todo ello por exigencias de casting.

Tan importante resulta el casting que domina todo el resto de áreas de producción a su antojo. Ben Linus fue fichado para tres capítulos. Acabó siendo protagonista de cuatro temporadas y mano ejecutora del punto focal narrativo de la serie, la muerte de Jacob. En su caso, fueron sus increíbles habilidades interpretativas. Cuentan que decidieron quedarse con él cuando vieron lo bien que le sentaban los moratones y las heridas con su mirada de sapo sarcástico.
Mr. Eko tenía que estar en la reunión final de la iglesia. Pero pidió cinco veces el presupuesto que le ofrecían y decidieron borrarlo de la versión final. Y así ocurren incontables situaciones en las que el casting decide el guión hasta sus últimas consecuencias. Por lo tanto invalida la teoría de la "historia perfecta" sin fisuras que estuvo escrita desde el principio y que tiene respuestas para todo aunque no quiere dárnoslas por chulería. Es un farol, los jugadores profesionales lo saben.

Ni qué decir tiene que la audiencia semanal y los parones de producción por la vaga de guionistas de Hollywood tienen un peso específico demoledor en la historia de la escritura de Lost. En el caso de la temporada cuatro, se hace evidente por su cojera y su ojo tuerto. Respecto a las audiencias, es algo más complicado establecer si ciertas presiones empujaron a la serie hacia direcciones más exóticas o conservadoras. Parece bastante evidente que el arco argumental del templo y el japonés irritable de la sexta temporada fue cortado de raíz abruptamente cuando los ratios de audiencia y puntuación metacrític descendían vertiginosamente. La serie estuvo al borde del abismo en el capítulo de Jacob y su hermano bajando hasta un escandaloso 58%...

Reacciones al último capítulo

La crítica de EEUU dijo con respecto al season finale de Lost:

The New York Times:
… I was by turns moved, engrossed, and deeply irritated. But mainly I was irritated, because in the end I’m a plot-centric person, and “Lost” was a densely plotted show, and the macro-plot turned out to be … well, a big nothing seems like an awfully strong way of putting it, but it was certainly close to that.…

The Los Angeles Times:
Well, it could have been worse. It could have all been a dream. … the sound you heard 'round about 10 Sunday night was thousands of nonromantics wishing for a time slip that would give them those 2 1/2 hours and possibly six seasons back. …

The San Francisco Chronicle:
I loved watching "Lost." I embraced the characters. The ending pandered to my tastes in that way. But it failed on so many levels to answer questions that were important to people who invested time in them. It went out making about as much sense as it did coming in, which will undoubtedly be a disappointment. As a series finale it overjoyed the heart and annoyed the brain. But if I had to do it all over again, knowing how it all plays out, I'd still watch. …

USA Today:
… Thrillingly, cleverly, and in a manner that tapped into the simple, profound truths of great American works like Our Town, the show spelled out for viewers what it has been saying all along. Lost is about life and death, faith and science, spirit and flesh, and has always stressed that the title refers to the characters' souls, not their location. …

Time Magazine:
… an epic, stirring two and a half hours of television, full of heart and commitment, that was true to Lost's characters as we knew them from season one. And through elaborate use of symmetries, echoes and callbacks—as well as some go-for-broke acting and a visual grandeur by director Jack Bender that matches the show's pilot—it brought them powerfully and cathartically full circle. …

Se puede observar disparidad de opiniones. Una crítica muy polarizada basada en los dos grandes grupos de opinion detrás de grandes acontecimientos culturales. Las dos tribus enfrentadas son los "odiadores" (haters en argot internet) y los fans incondicionales.

Lost, como todos los grandes hitos de nuestro collage cultural, es un hervidero de opinión, de fe, y de memes. La serie nace dentro de la era de internet, y como fenómeno cultural será recordada como una de las pioneras por su íntima relación con la red de redes.

El metacrític score de "The End" es un tibio 74, acorde con las puntuaciones de la última temporada aunque lejos de algunos 93 o 94 de otros años. Quizá con el paso del tiempo y la edición en DVD la nota se afiance al alza, pero habrá que esperar unos meses.

Los blogs siguen echando chispas 5 días despues de la emisión. Practicamente todos los aficionados con opinión propia ya han postulado sus teorías y opiniones llenas de pasión. Me he obligado a dejar reposar la cena antes de soltar sapos y culebras, porque la madrugada del lunes los ánimos estaban algo caldeados.

Las teorías germinan y florecen como moho en los foros dedicados a los Losties. Algunas son realmente interesantes y otras delirantes, como la que argumenta que el flash-sideways es una invención de Hugo, que tiene los poderes del guardián de la isla, para que los personajes no sufran y tengan una buena transición hacia la otra vida.
Una de las más curiosas apunta a la frase varias veces repetida de "Let it go" en el capítulo final. Diciéndonos a nosotros, televidentes, que dejemos de montar teorías, que disfrutemos del final y no busquemos respuestas innecesarias. Que nos dejemos ir. Increíble si fuera cierta.

La lista mitológica de la compra

- Los esqueletos de "Adan" y "Eva"
- Los Otros (griegos, hippies o descalzos con ropas raídas)
- El Humo Negro
- La Escotilla
- La furgoneta de Hurley
- Los paquetes de comida que caen del cielo
- La Bomba de Hidrógeno del ejército americano
- Los números 4, 8, 15, 16, 23, 42
- Los Osos Polares
- La Isla Hydra
- La Cabaña de Jacob
- El misterio de los embarazos
- El barco "The Black Rock" y la dinamita juguetona
- La estatua de Taweret con 4 dedos, entera o solo el pie...
- La Rueda que mueve la Isla
- El Templo de la fuente curativa que se vuelve marrón
- La cueva de la Luz Mística con el tapón

Sin duda, una lista de la compra fabulosa. El legado de Lost como serie de ficción se basa en su mitología, delirante y brillante a partes iguales. La combinación de una buena escritura de personajes junto a una mitología propia llena de misterio ha dado una de las mejores series de televisión de todos los tiempos. El cartón piedra del templo y la dinamita sudorosa de The Black Rock nos remontan a las aventuras clásicas de los años 50, al serial, al folletín, a las Minas del Rey Salomón o al Tesoro de Sierra Madre. La mezcla de géneros y tonos ha hecho vibrar en sus casas durante 6 años a millones de personas. El mérito no ha sido en vano, pero la solución final ha sido controvertida. ¿Cómo ha podido fallar tan estrepitosamente para unos y hacer llorar a otros? ¿Qué ha ocurrido?

Los autores y el "flash-sideways" de marras

Lindelof y Cuse se han sentido cansados y atacados por su propia culpabilidad al saber que no podían ofrecer lo que la masa crítica de fans demandaba. Esa culpabilidad ha atacado a su pericia para desarrollar capítulos de calidad y les ha condenado a construir una temporada final floja y apresurada, tapando lo que han podido y sacando de la chistera una teoría final fláccida. Estaban tan ocupados acabando Lost que se olvidaron de escribir buenos capítulos.

Habiendo usado el flashback y el flash-forward, fabricaron una tercera técnica, en un intento de revolucionar de nuevo los mecanismos narrativos. Lo llamaron flash-sideways y se sintieron satisfechos. Pero había que escribir el desenlace de la serie. Un desenlace sobre la transición despues de la muerte basado en su primera idea, aquella que tuvieron en el lejano 2004. Aquella explicación que los fans habían descubierto a los pocos capítulos y los autores tuvieron que desmentir.
En esta sexta temporada usan como base operativa esa idea y le dan un giro en forma de timeline alternativa llamada flash-sideways que funciona a efectos prácticos como antesala a la siguiente etapa de la vida. Purgatorio la llaman muchos por sus evidentes parecidos.

Mienten como bellacos cuando denominan a esa ténica "flash-sideways", siendo en realidad un "flash-always" o "super-flash-forward". En lugar de ser una línea temporal paralela a la de la isla en el 2007, se trata de una línea temporal "eterna" donde coexsiten todos los personajes independientemente del momento de su muerte. Es un espacio-tiempo alternativo que les une como grupo humano pero que no aporta solidez a la narrativa y al desarrollo de la trama, sino que añade profundidad de personaje y los redime moralmente, a la vez que nos impregna de la emotividad que ha faltado en el resto de temporada. Una temporada llena de paseos por la selva, situaciones y personajes de transición que han cansado al espectador, acostumbrado a los in-crescendos dramáticos de otras épocas.

La explicación final canónica debería ser esa. La del purgatorio que existe fuera del tiempo lineal en la sexta temporada y la aseveración de que todo lo que ocurre en la isla desde el accidente hasta los últimos días de Hurley como sucesor de Jacob ha sido real. ¿Pero podemos fiarnos y dejarlo así? Depende del tiempo libre de cada uno. Pero sobretodo depende de nuestra bandera, de nuestra particular idiosincrasia.

Las tres tribus

Hay tres formas de aceptar el final de Lost y en consecuencia la serie en su totalidad:

1.Como persona de fe.
2.Como persona de ciencia.
3.Como espectador de las posturas anteriores, ajeno al dolor que sufren los pobres diablos.

El final de Lost es un final embarazado de fe y religión, que contrasta salvajemente con sus inicios paracientíficos. Los televidentes que creen y abrazan la fe necesitan abonar esa creencia, necesitan una doctrina, y tienen tendencia a engullir el final de la serie por sus valores religiosos y morales. Por su temática humana y por las relaciones entre personajes positivas y su final optimista en el purgatorio de la felicidad a cámara lenta. Arreglan todo el desaguisado narrativo con un "lo importante siempre han sido los personajes, lo demás es intrascendente".

Los espectadores de ciencia se sienten frustrados por la falta de respuestas a las miles de preguntas y por la falta de estructura interna. Creen que la serie como entidad les ha engañado y tienen tendencia a odiar visceralmente el final abierto que nos han regalado. Creen en la teoría de que todos han estado muertos desde el principio y exigen la cabeza de algún responsable.
Tambien tienen tendencia al análisis estructural y a encontrar mecanismos narrativos para explicar la serie. Al contrario que los hombres de fe, los de ciencia analizan el entramado de guión, intentan ver la maquinaria y buscan las cuerdas.

Los indiferentes simplemente observan y mastican, ajenos a los otros espectadores que se sacan los ojos en discusiones acaloradas. El final de la serie misteriosa simplemente les ha entretenido. No les ha provocado las reacciónes alérgicas o las iluminaciones divinas que sufren sus vecinos. Deben pensar que estamos todos locos.

Anatomía de Black

La serie no está construida para ofrecer soluciones a nadie. Es fruto de la estructura episódica y voluble de la producción de televisión. Algunos elementos estaban preparados con antelación, pero el tejido narrativo se ha ido generando con los años, desdiciendo sus propias palabras y acudiendo incluso a un diálogo con los fans de Lost. En ese proceso de libre opinión, algunas ideas y formas de delimitar algunos temas se han permeabilizado y han acabado formando parte de ella.
La serie de TV se sirve de los arcos argumentales y la narración paralela para mantener el interés y aguantar los 45 minutos de emisión. Se producen varios conflictos por capítulo que pueden resolver por separado o conjuntamente. La estructura de folletín y el cliffhanger es un mecanismo habitual en la ficción moderna.

Lost abraza el cliffhanger. Lo estruja como si fuera el humo negro haciendo pulpa a un poblado entero de "Los Otros". Se olvida de los pilares ultrasónicos de contención y arrasa con mujeres y niños. Hace un abuso tan exagerado de la técnica que acumula preguntas sin respuesta en una montaña interminable similar a los cuadernos de notas amontonados que los operarios de "The Pearl" enviaban por el tubo neumático.

Probablemente es una de las series con más participación involuntaria de los fans, ya que los creadores se han visto inundados por el éxito masivo y se han visto incapaces de mantenerse alejados de la opinion y trabajo conceptual de los obsesivos geeks. De ahí que algunas teorías desechadas hayan sido usadas como ténicas narrativas que definen temporadas enteras. Los viajes en el tiempo son la prueba más evidente, pero la vuelta a la idea del purgatorio y los chascarrillos nerds de Star Wars están ahí, a la vista de todo el mundo.

¿Entonces están muertos o no?

Según la teoría más extendida, lo están en la línea de tiempo no-lineal del flash-sideways. Pero no en el resto. Según escépticos y fanáticos que creen en que existe un orden narrativo, estuvieron muertos siempre, y la isla es un lugar de transición. Pero es inútil intentar validar alguna de las teorías, porque sus propios creadores no construyeron sobre terreno sólido. La isla cambia de espacio y de tiempo gracias a una rueda de molino que canaliza la luz y el agua. A partir de ahí, la ciencia-ficción más delirante se apodera de Lost y hace uso del modo "freestyle".

¿Nos vamos a casa?

Sería lo más sensato. Porque ya no queda nada por ver. Se han bebido la botella de ron de Jacob. No hay lugar para más Lost en un futuro cercano, y aunque así fuera, tendría tanta gracia como Ben Linus acuchillando a Jacob a la luz de la hoguera. No nos metamos en camisas de once varas, ni seamos más papistas que el papa. Que si en Madrid no le han dicho nada...

Y para acabar, el legado de Lost en la red:

Sawyer, Jack que estas Sayid me puedes Dharmas pan ?
I hate it when Jacob from Lost tags me on his wall
Como hablar con fluidez inglés leyendo la Biblia con el método Richard Alpert

(por cortesía de Jess)
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Lost, The End

2010-05-23T22:49:00.010+02:00

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Por exagerado que pueda parecer, la emisión simultánea a escala internacional del season finale es uno de los eventos televisivos de la década que termina. Y será recordado como uno de los puntos de inflexión en la distribución de TV.

La cantidad de seguidores de Lost que siguen los capítulos por medio de redes P2P o descargas de servidores de alojamiento es enorme. Existen grupos de traducción en infinidad de idiomas que preparan en unas pocas horas los subtítulos de cada cita semanal. En estos últimos años, la distribución de series por medio de fans ha sido un fenómeno imparable. Y Lost ha sido una de las principales culpables.
No es casualidad que hace unos escasos días se presentara "Google TV", la nueva apuesta de distribución de TV a través de internet de Google, en coalición con Logitech, Sony e Intel.
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Las ventajas de este sistema son evidentes, y la cadena ABC parece haber entendido el poder de convocatoria de la masa crítica de seguidores que la serie. La anticipación al capítulo 23, The end, hace saltar chispas en Facebook y Twitter. Blogs de medio mundo adelantan las últimas teorías antes del desenlace. Locke y Jack vuelven al principio, a su guerra moral, a su batalla narcisista que les ha tenido dando vueltas durante 6 años, flashbacks no incluídos.

Precisamente esa vuelta a la estructura de liderazgo del arranque de la serie ha sido uno de los pocos aciertos de esta extraña sexta temporada. Por culpa de unos guionistas metidos en una batalla imposible de ganar, la calidad episódica de Lost ha sido muy irregular. Y los memes y chascarrillos sobre algunos elementos dramáticos han corrido como la pólvora en los últimos 3 meses. No se puede olvidar al tinerfeño Ricardo, su biblia para aprender inglés y la dichosa pastilla de té verde venenosa del japonés misterioso.
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No obstante, el poder mediático de la isla y sus protagonistas es imparable. El uso de Lost en las conversaciones cotidianas y la universalidad de la serie de J.J. Abrams es un fenónemo inexplicable, sobretodo por esa increíble mezcla de géneros y la superpoblación de cliffhangers capítulo tras capítulo.

Algunas de las costuras de la serie se han visto comprometidas. Personajes como los Kwon, Sayid, Kate y Hurley se han visto obligados a ceder sus sillas en el juego. 6 temporadas ramificando el entramado y multiplicando las incógnitas necesitaban una podadora industrial. Y se han visto los tijeretazos con demasiada facilidad. Ahora a Jack le entran las prisas para arreglar a Locke junto con la isla, sabiendo que el humo negro se escapa por esas costuras que han quedado mal remendadas.
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Abrams es un genio loco que domina a la perfección la prestidigitación. Nos hará mirar a un lado mientras saca un oso polar de su manga en el que escaparemos felices de la isla esquizofrénica.

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Legend of The Seeker, dos temporadas buscando.

2010-05-23T19:16:00.012+02:00

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The Sword of Truth es una saga de fantasía épica escrita por Terry Goodkind. Con su próximo duodécimo volúmen, cumplirá un largo camino de 15 años. Y ayer concluyó la segunda temporada de la adaptación televisiva de su obra.
Se trata de otra producción neozelandesa de acción y fantasía. Producida por Robert Tapert, marido de Lucy Lawless y perpetrador de Xena, Hércules y la reciente Spartacus. El otro habitual sospechoso es Sam Raimi, un habitual de estas lides. Con el propio Goodkind avalando la adaptación a formato televisivo sindicado, La serie hace grandes esfuerzos por aguantarse en pie. Desde sus humildes inicios y torpes intentos de heroicidad fantástica, Legend of The Seeker propone una tarde de sábado familiar en compañía de una pareja de héroes y un viejo hechicero entrañable, el gran Bruce Spence.

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Craig Horner y Bridget Regan mantienen una sencilla y apasionante historia amorosa basada en la imposibilidad de mantener una relación mientras el mundo dependa de ellos. Las subtramas románticas y triángulos amorosos ocacionales, sobretodo en la segunda temporada, aderezan y condimentan el espíritu amable y casto del horario protegido. Richard y Kahlan son una pareja de oro, que emiten chispas y ternura a partes iguales en sus correrías. Sin duda son el motivo principal de que hayan completado dos temporadas completas, porque todo gira a su alrededor, y consiguen complacer en esos 42 minutos semana tras semana.
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Cara es otro personaje fundamental. Es una Mord-Sith, un grupo de mujeres guerreras sin piedad y sin sentimientos que usan ropa de cuero rojo oscuro, imitando la estética BDSM. Atacan con unos palos de cuero que inflingen dolor con el contacto. Las implicaciones sadomasoquistas son muy obvias, y abren una de las puertas más interesantes en el habitualmente aburrido universo de la Espada de la Verdad y sus sufridos héroes.

La mitología de Terry Goodkind es una tierna y sencilla recapitulación de las convenciones de la fantasía de los años 90. Con sus conceptos divinos absolutos, la magia pirotécnica, los ejércitos despiadados y las sectas secretas de mujeres asesinas... Y por supuesto la susodicha Espada de la Verdad y otros cachivaches extraños y rimbombantes como la Piedra de las Lágrimas, o las Cajas del Destino. Más adelante aparecen los Pilares de la Creación y el inevitable Inframundo.
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El Creador, el Buscador, el Custodio, las Hermanas de la Oscuridad y las de la Luz. Se trata de un mejunje de ideas mil veces leídas en los habituales del género. Y el tono es terriblemente familiar. Pero algunos elementos aislados y la química entre actores hace de esta humilde serie un fenónemo emocional que despierta pasiones entre sus seguidores.

La banda sonora merece capítulo aparte. Y el Emmy a mejor banda sonora dramática lo certifica. Las escenas que de otra forma podrían parecer algo campestres, se convierten en emocionantes peleas sin sangre pero con mucho esfuerzo. Todos trabajan enormemente dadas las circunstancias, y al final, no nos queda sino agradecer el cariño volcado en una serie condenada desde un principio a ser menor y derivativa.

ABC no ha dado luz verde a una tercera temporada, y los fans ya han montado la plataforma de promoción habitual para recuperarla. Incluso Goodkind se ha sumado a la iniciativa, probablemente defraudado por no completar otro año de espadazos y chorretones de fuego mágico.
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Richard Cypher no volverá a deleitarnos con sus mandoblazos y sus miradas llenas de ternura. Kahlan no volverá a lucir túnicas blancas mientras acuchilla enemigos, ni volverá a esclavizar gente con su toque de Madre Confesora. El abuelillo Zeddicus Zu´l Zorander apaga sus chorros de fuego mágico y sus sonrisas de Hannibal Smith. Y a Cara la echaremos todos de menos. Legend of The Seeker se ha terminado. Es muy difícil que renueve, así que habrá que esperar a la deseada Canción de Hielo y Fuego la próxima primavera...
Los sábados de fantasía familiar se quedan huérfanos.
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"V", Los Visitantes 25 años despues

2010-05-20T03:43:00.005+02:00

Se cierra la temporada inicial de "V", la serie reimaginada por la ABC que empezó a emitirse a finales del 2009. Con sus 12 capítulos de 42 minutos, se da comienzo a una saga planificada con más orden que aquella extraña mezcla de miniseries, tv-movies y capítulos sueltos que invadió EEUU y media Europa a mediados de los 80.

El casting, en principio decente, resultó ser una mezcla extraña de actores sin carisma y papeles huecos en manos de estrellas del fantástico televisivo como Morena Baccarin o Elizabeth Mitchell. Y los nuevos fichajes fracasan reinterpretando los personajes que con tanto cariño modelaron actores como Marc Singer, Robert Englund o Michael Ironside.
Sin duda, el peso dramático ha recaído en las dos figuras matriarcales, la jefa del FBI, Erica Evans, y la líder espiritual de los Visitantes, Anna. Los personajes masculinos orbitan torpemente a su alrededor, y en general, todo el casting y medios de producción resultan escasos e ineficaces.

Así pues, la serie reimaginada se presenta en sociedad torpemente, con medios limitados y puesta en escena excesivamente mediocre. Pero lo sorprendente es su capacidad de comunicación a un nivel universal. Porque el conflicto central de invasión y resistencia es tan viejo como la propia historia, y a pesar de la desidia de los realizadores, la tensión provocada por una invasión a escala planetaria, se resuelve como siempre de forma local, de forma familiar.

"V" construye a partir de la mediocridad y realiza un extraño ejercicio de reinvención constante, buscando su fórmula capitular y su leit-motiv, para encontrarlo en los últimos minutos de su season finale.
El capítulo 12 es un prodigio de búsqueda narrativa. Saltando de línea argumental a una velocidad absurda, nos reconstruye emocionalmente varias veces seguidas, con la intención de encontrarse como serie televisiva. Y la búsqueda da su fruto. Porque al final, de forma casi milagrosa, el ritmo encaja y "V" se da nacimiento a sí misma, al mismo tiempo que el híbrido bebé de la serie inicia una nueva tragedia griega y Anna desencadena la caja de Pandora sin aviso previo.

La lista de altas y bajas está clara. La segunda temporada arrancará en una dirección sólida y probablemente se acabarán las dudas que plagaron cada capítulo desde su inicio en Noviembre pasado.

Las preguntas más interesantes que los fans de la ciencia-ficción se hicieron años despues de la "V" original empiezan a tomar forma definida. Entre otros, el papel social de los Visitantes y su mezcla de religión, ciencia y política. Pero sobretodo se empiezan a vislumbrar las posibilidades de la interacción entre especies, antaño tan pueril y grotesca y ahora más interesantes al germinar los primeros conflictos realmente serios.

"John May Lives."

La iconografía de la serie no es especialmente rica, pero en su aparente pobreza admiramos poco a poco la historia de la Quinta Columna y John May. Los Visitantes tienen un diseño de producción y una dirección de arte muy mediocre, que de poco les sirve para autofinanciarse como meme audiovisual. Los antiguos trajes rojos y negros con la esvástica ligeramente modificada del 85 se traducen en un diseño de vestuario basado en el gris y las formas suaves. Y las viejas naves nodrizas poderosas y redondas ahora son ligeramente orgánicas y carentes de personalidad propia, sobretodo en sus interiores digitales.

Mención aparte la aparente falta de sombras dentro de las naves de los Visitantes. Los personajes recortados contra los fondos digitales le dan aspecto de teatro de recortables. Aunque la integración de las naves nodrizas sobre las ciudades son bastante más dignas.

Anna se desata en este sorprendente último episodio de temporada. Y el cielo se enrojece para dar la bienvenida al anuncio oficial de la segunda temporada, aprobada oficialmente el 13 de Mayo. Los lagartos se hacen esperar para entrar en acción de forma integral, pero se advierte un cambio de rumbo hacia una más que probable sangrienta continuación. Un último capítulo que le da esperanza a una serie terriblemente mediocre en muchos aspectos, pero que puede recomponerse de forma tan milagrosa como la afección cerebral de Chad, el héroe renacido que se une a la causa.

"V is not for Visitor, is for Victory."

Percy Jackson & the Olympians: The Lightning Thief (Chris Columbus - 2010)

2010-05-14T01:49:00.004+02:00

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Una nueva película de aventuras juveniles dirigida por un veterano del oficio, Chris Columbus. Mucho despues de aquella "Home Alone" y las más recientes Harry Potter, la nueva película familiar de temporada nos ocupa un rato sencillo entre mitos griegos.

Percy Jackson es otro producto literario de los 90s con ambiciones de saga juvenil. Mezclando la realidad contemporánea y un héroe guapo y jovenzuelo, los dioses griegos se mezclan con la cotidianeidad de una forma similar a la que Rowling ideó para la magia de Potter.

Los efectos digitales salpican sin asustar, y el casting brilla con mucha intensidad, sobretodo cuando Uma Thurman aparece como Medusa y James Bond se pelea con Boromir.

Los destellos de frescura ocasionales no nos hacen un gran servicio pasados los primeros sobresaltos. Es un espectáculo tan blando que se derrite entre los dedos, caliente y viscoso, esperando que las dos horas escasas se agoten.

No obstante, pocas veces hemos disfrutado de encarnaciones digitales convincentes de los mitos griegos. Coincidencia extraña al aparecer junto a "Furia de Titanes" en un plazo de estreno cercano, despues de muchos años de sequía mitológica.

Pierce Brosnan encarna a un centauro gandalfiano, dumbledoriano incluso. Un sátiro muy convincente acompaña al protagonista, mientras Rosario Dawson apaga las luces cuando entra en escena. Pequeños sorbos de agua para una travesía demasiado larga.

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Google Buzz, War of the Walls

2010-02-11T14:16:00.007+01:00

Revuelo generalizado por la irrupción sorpresiva y repentina de otra red social. Google Buzz es la respuesta del gigante de Mountain View a Twitter, a la actual iteración de Facebook, a la pseudo reestructuración de Microsoft Live en forma de muro y, en definitiva, a todas las redes sociales que utilizan el concepto de muro de actualizaciones.

Sin avisar, de golpe y armando jaleo. Google nos invita a usar el servicio y nos deja huérfanos ante lo que a primera vista parece una categoría más en la página principal de Gmail, pero que unas horas despues, se convierte en un bombardeo de Buzzes, de peticiones de seguimiento, de vínculos cruzados con Google Reader, Blogspot, Flickr, Twitter...

Se avecina una huelga de internautas, sin tiempo para actualizar sus Tumblrs. Hartos de que sus Twitters inunden sus feeds de Facebook. Movidos por un miedo terrible a la interconexión de redes sociales. Una frase tan inofensiva como "Eso es pollo o pavo"... ¿se replicará a sí misma media docena de veces viajando por cada una de nuestras redes?

E-mail, feed, link, embed code, tweet, chat, digg, meneo... Y lo que queda por llegar. Pero poca gente sabe diferenciar todas esas cosas sin resfriarse momentáneamente.

Google Wave agarró una pulmonía grave y agoniza en su esquina. Quizá donando a la ciencia parte de su código para darle poderes a Buzz.

De momento, el populacho sigue chateando por el clásico Messenger de Microsoft, obviando de forma descarada su complejo y frío mejunje llamado Live. Actualizan como posesos sus cuentas de Facebook, comentando sin descanso y aportando detalles de su profunda personalidad a través de delicados tests, juegos elaboradísimos y grupos de fans dedicados en cuerpo y alma. Y muchos de ellos, en España, usan Tuenti. Otra red por invitación muy popular y con aroma a vodka con limón.

Un grupo de gente más involucrada intelectualmente y perteneciente a otra demografía menos juguetona usa Google y sus aplicaciones gratuitas. Orgullosos de sus gafas de pasta, escogen una compañía que los abraza con sus propias gafas, esta vez de colores, para hacerles sentir en casa.

Google es una trampa para osos que pisas a propósito. Harto de dar tumbos por el mundo digital, demandas orden y mano dura. Google es la derecha de internet. Disfrazado como adalid de la libertad de expresión y el software gratuíto, el lobo de lentes floridas se mete entre las ovejas y las va mordisqueando lentamente, hasta conocer todos sus secretos.

Mediante un canto de sirena, todo el mundo se acaba poniendo las gafas. Y los antiguos dueños del mundo, desde sus ventanas pirateadas amistosamente, ven como su negocio peligra. Un negocio menos sesudo, menos malvado conceptualmente. Las ventanas dan mucho trabajo, se ensucian con mucha facilidad.

Oigo los zumbidos de Google, en mi oreja. Se mezclan con los ruidos de lata de Gtalk, y con la gota que salpica en Facebook. El "pirrín" de Messenger ya se va desvaneciendo... Pero se avecina una orquesta de alertas, de mensajes, de vínculos cruzados. Un concierto en banda ancha.

Where the Wild Things Are (Spike Jonze - 2009)

2010-01-31T11:47:00.006+01:00

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Spike Jonze firma un pequeño logro audiovisual, más cercano a la experimentación y menos cinematográfico en estructura. De tintes muy personales y personajes familiares, el film de mirada infantil arranca exabruptamente, sin concesiones y a todo volumen.

Jonze genera una catarsis inaudita, filmando cámara en mano y haciendo uso del tiempo de forma onírica, sin perder el suelo, pero flotando unos centímetros por encima. Y a través de Max, observamos la luz, el sol reflejado en la nieve, y la gente que está lejana, desenfocada.

La madre de Max nos ata al mundo real. Catherine Keener actúa de forma relajada y construye una madre fantástica y azorada en menos de 10 minutos. Max no necesita construcción. Está por encima del hilvanado dramático tradicional. Max existe dentro del pequeño universo fílmico de la película, para dejar de ser en su último plano, sin cierres, sin grúa general a negro.

Max huye frenéticamente, se encuentra a sí mismo de forma extraña, desmembrado en un grupo de bolas de pelo ufanas y deliciosas, viviendo juntas en un bosque. Los árboles se astillan con facilidad, y las relaciones entre ellos están en punto muerto, quebradas. Intentarán ser felices, con sus medios, a través de Max, haciendo un esfuerzo.
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Los monstruos y Max se canibalizan de formas dolorosas, corriendo de un lado a otro como pollos sin cabeza, disfrutando alocadamente unos de él, y él de algunos. Max y Carol se esnifan el uno a otro, en una descarnada y vertiginosa carrera cuesta abajo. Buscan algo perdido, no saben qué todavía. No lo descubrirán, pero se hacen daño corriendo juntos, de la mano en una construcción emocional fictícia.

La entrada y salida de la isla de los monstruos funcionan como prólogo y epílogo, arrancados a cuajo de la mitología que tan cuidadosamente ha fabricado el director. Las transiciones son burdas, atropelladas y faltas de motivación, aunque el golpe dure bien poco en ambas ocasiones. Pero se siente cierta dejadez quizá deliberada en los momentos de transición.

La música es de un intimismo que casi molesta, pero que en definitiva, funciona tan bien que construye una sinergia melancólica apabullante. Y los monstruos tienen una factura técnica y artística asombrosas. Limpios, pesados, peludos y tercos.
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Una extraña película, de esas que se dicen a sí mismas "soy especial", no sin razón. Un viaje a la infancia más difícil, a la infancia bloqueada. La niñez violenta y sinsentido de las patadas a la pared, de los mordiscos y los edipos. Where The Wild Things Are presenta un misterio en su título, que tan sabiamente Maurice Sendak planteó.

¿Dónde están los monstruos?

¿Están dentro de uno mismo o están dentro de los demás?
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Alice in Wonderland Press Package

2010-01-28T13:00:00.004+01:00

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Hace unas semanas, un redactor de LatinoReview posteó el press package de Alice in Wonderland que Disney envía religiosamente a las publicaciones importantes online y prensa escrita. En esta ocasión, se trata de una pieza muy especial, con gran cuidado al detalle y una deliciosa presentación.
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Avatar (James Cameron - 2009)

2010-01-18T22:12:00.011+01:00

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Avatar es una gran superproducción de principios de los 90´s. Pertenece por derecho propio a las grandes épicas de género fantástico y ciencia ficción que rediseñaron el concepto de superproducción hollywoodiense.
James Cameron ha vuelto a la dirección para dirigir otro titán que no para de recaudar y maravillar al mundo. En su camino para desbancar a su anterior monstruo, Titanic, ha dado un empujón definitivo a la proyección en 3D, una técnica muy depurada a estas alturas que se integra de forma elegante en Avatar. Y consigue hacer olvidar otras pruebas más modestas y facilonas, sobretodo en el campo de la animación.
El 3D de Avatar es inmersivo, cuidado, elegante, aunque aún falta afinar la adaptación de las gafas de lente fija. Aún se nota la transición en algunas escenas entre los planos de profundidad y se pierde definición. Pero en términos generales, la experiencia 3D de Avatar es muy satisfactoria.

Las expectativas eran enormes, y el riesgo de parecer ridículo con unos diseños de alienígena demasiado "bonitos" y juguetiles era enorme. Los trailers prometían una película vista mil veces, con una historia clásica a la sombra de Pocahontas y Bailando con Lobos. Pero una vez dentro del pastizal, sabiendo perfectamente el desarrollo de la trama, el probable final, y los pilares fundamentales del cine de aventuras con romance... no deja de atrapar de forma diabólica y metódica.
El argumento es una línea recta, ancha y cómoda. La narración mantiene un pulso extraordinario, rítmico, y la catarsis es incluso humillante. Pude escuchar sollozos en la sala, incluso patadas nerviosas y exhaladas de alegría.
A la salida me conmovió una madre con su hijo pequeño contándole con una mezcla de sorpresa y jolgorio lo mucho que le había gustado. La señora estaba tan fascinada como yo.
La catarsis en Avatar es un prodigio. Quizá tenga algo que ver todo el proceso de alienación que la trama desarrolla, y quizá algo ayude la inmersión de la técnica 3D. Pero sin duda, la técnica narrativa de Cameron, que actúa como co-editor del film, es de una fiereza sensacional. Puntadas invisibles entre el cine heroico y la fábula de la invasión cultural de los indios americanos.
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Se trata de la primera película de la historia que reconstruye e inmortaliza sin concesiones las orgías pulp de mundos alienígenas y épica excesiva de los años 50. Sin reservas, sin recortes, sin escatimar grandiosidad y resultando totalmente convincente.
No haría falta comentarlo, pero las ridículas comparativas con otros filmes y los intentos de desprestigio al diseño y producción de la película es de una estupidez galopante. Porque Cameron es dueño de más iconografía fantástica en el inconsciente colectivo que intocables como Tim Burton. Porque a estas alturas, usar islas flotantes y alienígenas azules montando dragones es como usar un rifle Winchester y una matojo rodando en un Western. Como ponerle una camiseta blanca de tirantes a Bruce Willis. Como ponerle cicatrices al malo en la cara...
No tiene demasiado sentido buscarle una intención de plagio a una película de proporciones tan gigantes.
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Pero se le puede reconocer cierto descontrol temporal. La película pertenece en su contenido y tono a los años 90´s. Pero su forma es una interpretación contemporánea de un concepto estilístico que pertenece al pulp sci-fi de hace 50 años.
Y así, la magia digital vuelve a sus cotas más altas, al lado del Gollum de Jackson. Y eso ayuda a olvidar todas las preguntas que suscitan los primeros minutos de película.

Y tan convincente resulta que ha desatado un fenómeno visto en otras ocasiones, el de los fans traumatizados por la imposibilidad de vivir en la película. Algo ocurrido con otros films, habitualmente de corte fantástico como El Señor de Los Anillos. Pero llegando a cotas suicidas en el caso de Avatar y el paraíso de Pandora.

El diseño de Pandora responde a un inconsciente colectivo en proceso de desnaturalización de su hábitat urbano. El naturalismo y la recreación de una fantasía realista es una solución al grito desesperado del joven contemporáneo, sumido en una repetición gris y un ecosistema descolorido. De ahí las ánsias suicidas de algunos de ellos, al verse incapacitados para recorrer el colorido planeta, esclavos de la vista en primera persona del videojuego moderno.
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El héroe de Ávatar es de corte clásico, arquetipo guerrero, mente platónica y objetivos nobles. Por medio de un recurso muy ingenioso, la voz en off se reinventa a sí misma clonando las tendencias de la red. Y el actor Sam Worthington despega como actor físico, atado a una silla de ruedas, como los jóvenes a los que nos referíamos hace un momento. Catarsis completa a través de la discapacidad, técnica fácil y efectiva para dibujar al ser humano de orígen occidental.

La cámara y el montaje son insultantemente invisibles. Y la dirección de actores es tan sólida y férrea como siempre. Cameron golpea con una regla hasta que sale el arquetipo de dentro del actor. En el caso de Worthington y Zoe Saldana, les debe haber roto las costillas, porque consigue una mezcla de tensión y relajación rítmica que incluso atraviesa el handicap del motion-capture, una técnica que destroza habitualmente el espacio gestual.

En todas sus áreas de producción, Avatar es un Leviatán cinematográfico. Su banda sonora, sin ser brllante, y firmada por el habitual James horner, machaca el hígado de forma constante, sin grandes temas míticos pero con firmeza. Las trompetas de Willow siempre son eficaces.
Su arte y diseño son delirantes en ocasiones, pero extrañamente homogéneos. Como salidos de Weird Tales y recreados a lo Jurassic Park en un planeta de aire viciado.
Aunque la anatomía sea bizarra, consigue una credibilidad fascinante.
Y los Na´vi comen aparte. Porque las reacciones de incredulidad iniciales y su sobrenombre de Furby espacial se transforman en una simple reinvención del homínido alienígena, tantas veces diseñado en tantos filmes de ciencia ficción. Las piezas forman un cuadro homogéneo, sólido y completamente funcional.
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Una historia clásica, sin giros de guión, sin reinvenciones de género, sin concesiones a la originalidad. Una narración portentosa que engulle la necesidad de creatividad en la escritura y camina sobre una trama ancha y recta. Un director que vuelve a su época, a su manera de hacer cine. Una película tan grande que te devora a través de su increíble fantasía vívida.

Cameron ha demostrado que George Lucas es un patán. Ha dirigido una película que él ideó hace 20 años con el virtuosismo y la visión de alguien que se conoce a sí mismo como autor.
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Gake no ue no Ponyo (Hayao Miyazaki – 2008)

2009-11-02T00:49:00.004+01:00

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Ponyo es una fábula muy cercana a Totoro. Tambien contiene esa naturaleza violenta que Miyazaki reconvierte de la mitología sintoista. En esta ocasión, el paraje que da marco a la historia vuelve a las zonas rurales, a los pueblos de costa japoneses, con una vida dedicada a la pesca y residencias de ancianos en lo alto de las colinas. Ponyo entrará en la vida de todos ellos como lo hizo ET tantos años atrás.

Aunque se trata de uno de los films más caóticos y deshilvanados de toda la filmografía de Miyazaki, Ponyo brilla con una luz muy intensa. La animación completamente manual y la fantasía y creatividad demostradas son inauditas. La dirección de arte de Noboru Yoshida (que ya impresionó con su trabajo en Howl´s Moving Castle) explora terrenos e ideas envueltos de misticismo. Un mundo acuático grave y antiguo. El agua viva, cambiante, demandante. Las formas fluidas, los peces y las gotas.

La relación entre Sosuke y Ponyo está construída con la sensibilidad habitual de Miyazaki para hablar a través de los niños. Y los adultos vuelven a ser culpables. Retomando la famosa escena de los padres que se convierten en cerdos de Chihiro, Ponyo y Sosuke viven rodeados de adultos enfadados y con problemas. A excepción de las viejecitas de la residencia, que gracias a su regresión, comprenden perfectamente la visión de los niños, sean humanos o mitad pez.

Gake no ue no Ponyo es una de las películas más extrañas de Estudio Ghibli. Quizá una de las más imaginativas, más sinceras y menos construidas en los cimientos narrativos de otras maravillas como Mononoke o Porco Rosso. Y sin duda, Hayao Miyazaki está menos dispuesto con los años a las concesiones, preocupado todavía por encontrar esa niña heroína que salvará al mundo.

Sesión de Halloween: The Thing, Cowboy Bebop y Drag Me To Hell

2009-10-31T20:27:00.005+01:00

The Thing (John Carpenter – 1982)
Empezando la sesión palomitera con un clásico entre clásicos del terror y la ciencia ficción. Un exitazo de la época del VHS, con los mejores efectos de Rob Bottin. Unos bichos y criaturas de escándalo que animan el corazón a cualquiera. Y uno guion ligerito y a ratos descerebrado que saca lo mejor de todos nosotros.
Kurt Russell es un héroe de otro tiempo, uno de los clásicos. Barba y dinamita, el combo perfecto en el Polo Sur. Las transformaciones son hermosamente asquerosas, y el final, de sencillo, se hace poético, casi haiku.

Cowboy Bebop: Tengoku No Tobira (Sinichiro Watanabe – 2001)
Anime catedralicio impregnado en la salsa del ciberpunk tardío. Nacido de la serie animada, la película de Cowboy Bebop tiene voz propia, gracias a un guión y un desarrollo de personajes realmente brillante.
Una película que hubiera conseguido su nominación al Oscar a mejor película animada, de no ser por las trabas burocráticas del proceso de selección de la academia.
Ambientada en el año 2071 en Marte, se acerca Halloween, una de las festividades más importantes del futuro. Cual desfile de los globos gigantes del Batman de Tim Burton, la trama danza a un ritmo prodigioso entre calabazas y disfraces de bruja. Las coreografías de lucha y persecuciones terrestres o aéreas son extremadamente intensas, como si John Woo y Kitano se hubieran puesto de acuerdo mientras un avispado dibujante tomaba notas. Una delicia con sabor a noche de brujas.

Drag Me To Hell (Sam Raimi – 2009)
Y para acabar la noche, susto de muerte. El rey del primer plano y el montaje por bocinazo. Babas y gusanos aderezan una ensalada de chillidos y trompazos. Un demonio quiere apoderarse de una rubia. Una gitana que lanza maldiciones y tiene un pañuelo mascota volador inmortal.
Sam Raimi es un genio del susto de muerte. De la anticipación, del montaje visceral y del decibelio loco. Arrástrame al Infierno es una delícia para amantes del género de terror ochentero. Mezclando pavor demoníaco con humor sangriento, consigue volver a sus orígenes de una forma sencilla, aunque manida. El personaje de Justin Long es tan gratuito como los anuncios de Apple que promociona. Pero la protagonista es deliciosa, esplendorosa sobretodo en su encarnación final como poderosa scream-queen.
Unos sustos muy divertidos para una noche de Halloween en época de crisis.

Windows Live Writer, una ayudita

2009-10-28T04:27:00.002+01:00

Empiezo de nuevo gracias a una ayudita en forma de herramienta de Microsoft. Windows Live Writer es un editor para blogs, totalmente compatible con Blogspot. Se configura fácilmente, introduciendo la dirección del blog, usuario y password, y automáticamente descarga la plantilla y configuración. Parece cosa de brujos. Ahora que los blogs amateurs están en proceso de descomposición, aparecen buenas herramientas de edición…

El largo absentismo laboral se debe a varios factores, pero principalmente a la baja por hardware maldito. Y 3 discos duros despues… vuelvo a mi máquina habitual, pero queda pendiente el exorcismo pertinente.

Vuelven las lluvias, el frío y La Ciencia Infusa.

IGN Video: Halo 3: ODST Xbox 360 Trailer - Live-Action Trailer

2009-09-04T22:30:00.002+02:00

IGN Video: Halo 3: ODST Xbox 360 Trailer - Live-Action Trailer

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Bungie y Microsoft Studios hacen unos trailers para la saga Halo deliciosos. En una dirección diferente a las demás compañías y con un impecable sentido cinematográfico, atacan emocionalmente al público potencial del First Person Shooter de nueva generación. Se trata de un género y un ámbito que poco a poco se resuelve como independiente del resto de videojuegos tal como hablaba hace poco con un amigo especialista en estas lides (un saludo a Artemio).
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The Fourth Kind, Encuentros en la cuarta fase

2009-08-14T01:07:00.002+02:00

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Una película de Olatunde Osunsanmi y protagonizada por Milla Jovovich que recrea un caso real de abducción en Alaska. El científico J. Allen Hynek categorizó los encuentros con extraterrestres en cuatro categorías: avistamiento, evidencia, contacto y abducción.
La película de Osunsanmi tiene un aspecto cercano al mockumentary, pero tras el telón se esconden una serie de documentos reales e investigaciones federales a lo largo de más de 40 años. El trailer es espeluznante y provoca una curiosidad mórbida a todos los fans de X-Files que investigan el fenómeno Ovni.
Al parecer, hay una nueva oleada de cultura extraterrestre que anticipa el boom del fin del mundo en el 2012. Esperemos a fin de año para ver la cuarta fase.
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Machinarium, nuevo trailer

2009-08-06T22:00:00.004+02:00

Watchmen 2, toda la verdad

2009-07-28T00:03:00.001+02:00

Nobody Watches the Watchmen - watch more funny videos

Props de Alice in Wonderland

2009-07-24T13:19:00.021+02:00

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Desde Ain´t it cool news han llegado unas fotos de props y trozos de escenario de la adaptación de Burton. Las cajitas y botellitas de Drink Me y Eat Me son especialmente encantadoras. Y el resto de porciones de escenografía tienen un aspecto delicioso y romántico. Seguimos los pasos de aquella película de superheroes tan bien cuidada...

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RoboGeisha Trailer

2009-07-01T23:25:00.004+02:00

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El nuevo film de Noboru Iguchi, director de Machine Girl, es otro festival de creatividad japonesa al servicio de sus filias tradicionales. Atención al arsenal de armas de la Robogeisha, incluidas las gambas.
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Tim Burton´s Alice in Wonderland

2009-06-22T08:25:00.012+02:00

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Nuevas fotos de personajes y Backgrounds. Depp tiene un aspecto realmente repulsivo y enfermizo, mientras que Bonham Carter sale favorecida en su rol de Red Queen. La dulce Hathaway es la perfecta White Queen. Y los concepts de backgrounds hay que reconocer que tienen una pinta estupenda.
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Esto puede ser la vuelta a la primera división de Burton o su caída al pozo sin fondo definitiva.
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Actualización: Nuevas imágenes de Mia Wasikowska como Alice y Matt Lucas como Tweedeldum con el otro.
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Bedtime Stories (Adam Shankman - 2008)

2009-06-21T20:18:00.003+02:00

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Olvidable película familiar de Disney al servicio de un Adam Sandler recaudador. El director Adam Shankman tiene experiencia con lides similares como Cheaper by the Dozen 2 y la película aquella de Vin Diesel haciendo de niñera.

No hay demasiado que ver aqui. Si acaso algunas escenas mínimamente imaginativas al recrear los cuentos que dan título a la película. Pero el auténtico valor de Bedtime Stories es su férreo guión Disney visto mil veces y aún en el mercado.

Medio centenar de films familiares comparten el mismo patrón de corte, y el que nos ocupa no se salta ni una coma, ni un acento. Con la construcción de personaje clásica de niño-adulto imaginativo al que la vida no le sonríe y un fallecido padre que le aporta los valores tradicionales. Un animal secundario cómico en forma de hamster atrofiado alimenta bromas entre escena y escena. Incluso aparece una princesa al estilo Paris Hilton que acaba con el amigo del protagonista, un tipo raro, pero raro Disney claro.

Quizá en el futuro estas películas se recuerden como un subgénero digno de estudio. Y los patrones de comportamiento del público familiar sea un misterio inexplicable. Pero de momento simplemente ofrecen a los niños un rato de distracción, cual película porno a un adulto. Será uno de esos DVDs a los que siempre le falta el disco cuando se abre la caja. Un día aparecerá debajo del sofá embadurnado en chocolate.
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Knowing (Alex Proyas - 2009)

2009-06-21T05:24:00.004+02:00

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La última película de Alex Proyas es extraña e inquietante. Consiste en una mezcla de géneros pocas veces mezclados con tanta convicción. El cine de catástrofes sigue pegando una o dos veces al año, fiel a sí mismo y fiel a directores como Roland Emmerich, que ya prepara su fin del mundo en el 2012. Por otro lado, la ciencia-ficción, género trabajado por Proyas en otras ocasiones con resultados muy dispares (I, Robot y Dark City). Ambos se mezclan de forma extraña, con reminiscencias muy claras al cine de Shyamalan, incluso podrían advertirse tics de The Happening en escenas clave (sin querer demeritar la película).

Nicolas Cage está completamente fuera de lugar, y parece darse cuenta. Cosa que hacia el final de la película empieza a tomar forma y a integrarse en el desmadre general hacia el que se empuja la trama. Una trama por cierto, delirante en ocasiones, pero de algún extraño modo efectiva. Quizá el talento de Proyas tiene mucho que ver con el ritmo, ya que aguanta un primer acto sin conflicto aparente simplemente con la ambientación y la intriga sobrenatural, conduciendo al espectador distraído directo a una secuencia de catástrofe aérea realmente impresionante.

Pero la película salta de género en género como pulga en celo. Y el pavor de las escenas de dantesca catástrofe colisiona con la intriga de film de terror llevado a terrenos del sci-fi clásico, como emulando a los clásicos de los años 50. Todo ello aderezado con cierto síndrome de Inteligencia Artificial... resulta una mezcla extraña e inquietante.

Proyas tiene una carrera muy irregular, plagado de situaciones extrañas y proyectos poco cohesionados. Es imposible tomarse en serio un film de catástrofes y ciencia ficción con Nicolas Cage de protagonista. Incluso su hijo demuestra ser más inteligente que él. Ya quedó demostrado en I, Robot que las grandes estrellas se pierden entre bambalinas.
La siguiente película de Proyas se llama: Drácula Año Cero...
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Push (Paul McGuigan - 2009)

2009-06-21T05:06:00.003+02:00

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Curioso film de acción y superpoderes surgido de la sombra del cine de superheroes de cómic. El casting es más que aceptable y entrañable, con la antorcha humana de los 4 Fantásticos como protagonista y una Dakota Fanning pre-adolescente. El director Paul McGuigan y el guionista David Bourla ofrecen una película rodada íntegramente "On location", en este caso en Hong Kong. Y la fotografía estilo Tony Scott le da un saborcillo a cine de Hong Kong hipervitaminado.

Pero ahí acaba todo. El guión y la realización muestran una falta de foco y muy poco oficio. Con el desarrollo del plot a golpes, incluso a empujones, y una dirección en ocasiones ligera y en la mayoría atropellada, los actores deambulan como pollos sin cabeza.

El tratamiento de la mitología del superpoder es interesante, en su categorización y en su ejecución, tal cual clanes vampíricos mezclado con "The Company" de la serie Heroes. Pero a mitad de film, las sorpresas y el tono sucumben a una serie de triquiñuelas mentales y se enredan en sus propios conflictos como moscas en una telaraña. De hecho, un "pusher", aquel que hace "push", no se refiere al poder de la telequinesis (llamado muy sábiamente telequinético en la película), sino al poder de controlar la voluntad de otros. Extraño pues la elección del título y del poder del protagonista.

Dakota Fanning es con diferencia lo mejor del film. Aunque el resto de casting es más que decente y en algun caso como Victor, el ruso enfadado, incluso carismático, es una película a medio camino de demasiadas cosas, sujeta a demasiados clichés y convencionalismos.
Una lástima, ya que poseía elementos potenciales para ser un film con brillo propio.
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Dean Spanley (Toa Fraser - 2008)

2009-06-19T02:29:00.006+02:00

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Uno de los films más exóticos, extravagantes, imperfectos y hermosos que he visto en los últimos años. Adaptación de My Talks with Dean Spanley de Lord Dunsany a cargo de Alan Sharp, autor de Rob Roy y el futuro remake televisivo de Ben-Hur. Dirigida por Toa Fraser, un primerizo, la película narra los encuentros azarosos de cuatro personajes en la Inglaterra eduardiana.

El punto de partida literario de Lord Dunsany provoca escepticismo y sorpresa, al tratarse de una novela corta de caracter inadaptable. Pero el impresionante casting liderado por un legendario Peter O´Toole, no deja lugar a dudas. Se trata de algo único, extraño e imprevisible en ocasiones.

Su estructura no contiene conflicto. Muy pocas películas se atreven a lidiar con semejante planteamiento. Y muy pocos autores consiguen extraer la atención del espectador o lector con tan gruesa complicación. Y debo advertir del ritmo flojo y ligeramente atropellado de los inicios del film. Incluso pueda despistar y hacer creer que nos encontramos ante una fantasía ligera propia de un serial televisivo. Pero durante esos primeros compases se va fraguando un climax sostenido extraordinario que explotará en unas escenas de intensidad emocional.

Me gustaría no desvelar el argumento del film. La sorpresa que provoca el asunto que trata es comparable a la ligereza y sopor que provoca en sus comienzos. Pero es difícil decir qué hubiera ocurrido con la película usando una estructura más lineal y fortificada.
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Se trata de una película sobre un padre y un hijo. Y para llegar a ello, rodea por mares y montañas de formas extrañas y exóticas. Pero la brillantez de su desenlace es digna de elogio, y el poético inglés dunsaniano flota como la capa de polvo que se levanta al pasar por sus escenas, en ocasiones apolilladas.

Dean Spanley es una película neozelandesa protagonizada por Peter O´Toole, Sam Neill, Jeremy Northam y Bryan Brown (FX Efectos Mortales, Cocktail).
Dean Spanley hace uso de una estructura y un tono pocas veces visto, aunque no inaudito. La película parte de su desenlace, y al no provocar conflicto, héroe o villano visible, se centra en un objeto, un vino de cosecha imperial con aroma de McGuffin.
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Abre la película una deliciosa secuencia de créditos animados al estilo de Lemony Snicket´s, obra de Lypsinc Post. Y la secuencia aparentemente decorativa, da paso a la película, aparentemente un film de época al uso.
Otra de las cosas sorprendentes y poco habituales tiene que ver con esa secuencia de créditos. Aparte de su elegancia y crédito artístico, sirve de llave maestra que abre todos los cajones. Pero no puede recordarse hasta terminado el film, lo que obliga a verla de nuevo... Sigo perplejo por la propuesta.

Créditos animados, vino imperial, Peter O´Toole y la guerra de los Boers como telón de fondo político. Todo se mezcla de forma extraña para empujar la película hacia un hermoso clímax y un estado de embriaguez emocional. Una copa de Tokay a su salud.
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True Blood Season 2

2009-06-19T02:17:00.002+02:00

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Sookie Stackhouse sigue desquiciando con su personalidad altisonante, y su descerebrado hermano ha cambiado el sexo por la fe. Mientras Bill intenta acostumbrarse a su nueva condición emocional y a la nueva novicia, Sam empieza un proceso de cambio interior.

La segunda temporada despega con un buen capítulo de arranque. Aunque la premisa argumental me sigue pareciendo terriblemente floja y poco trabajada, algunos personajes tienen un magnetismo y una personalidad realmente sorprendentes. Los guionistas parecen haber entendido las mecánicas de la primera temporada y plantean un nuevo misterio en las convenciones del género detectivesco, algo no muy claro en sus primeros capítulos, pero abrazado hacia el final.

Los misterios se solapan unos a otros y arranca una nueva temporada de mordiscos, higadillos y escenas tórridas entre Sookie y Bill. Y dada la carencia de series de TV durante el verano, será lo más entretenido que caiga en nuestras manos de momento.
No hay mejor manera de empezar una temporada que con un desnudo integral de Anna Paquin. Al final, todo acaba siendo pechuga y colmillazo.
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Coraline (2009 - Henry Selick)

2009-06-11T03:53:00.010+02:00

Estrenada 3 meses despues, pero a fin de cuentas estrenada. Las películas pretendidamente infantiles sufren en España unos retrasos y unos reacomodos insufribles e inexplicables.

Coraline es una hermosa película animada en Stop Motion por Laika y dirigida por Henry Selick. Y gracias al abaratamiento de la tecnología, se ha estrenado en ese formato incluso en España, que ya cuenta con más salas preparadas para el digital 3D.

Gaiman firma una historia muy delimitada por su estilo. Selick ejecuta de una forma un tanto emocional un guión algo extraño pero definitivamente encantador. Y una hipnótica música suena al ritmo de los maravillosos ratones de circo.

Coraline es una película que flota en un lugar indeterminado. Renombrada "Los mundos de Coraline" en España, quizá pensando que así hará más taquilla, ahonda en el subgénero de casa embrujada. La casa embrujada es hermosa y tradicionalmente juvenil, de susto y batacazo.

El hipnótico viaje a través de una casa, dos mundos paralelos y tres viviendas propone un sin fin de decorados brillantísimos y situaciones emocionantes. Todas ellas enlazadas de una forma extraña, de repente incómoda. Y un gato de Cheshire algo prescindible intenta hilvanar una salida cual Ariadna en laberinto.

Se trata de una película especial, azarosamente irrepetible pero sin duda con lenguaje propio. Posee una de las mejores construcciones paternas y maternas en el cine de animación infantil. Con una madre real y un padre hiper-realista que explican en silencio el orígen del hermoso desvarío lisérgico. Una muñeca, un par de guantes, tres fantasmas.

La película danza de dentro a fuera, de fuera a dentro. Cruzando el espejo, Alicia-Coraline y su gato-conejo comparan una y otra vez la realidad real y la fantasía hiper-real. En un ejercicio de análisis literario, la niña de pelo azul mantiene una curiosidad por su propia vida muy poco propia de su edad y del cine infantil al que estamos acostumbrados.

El film es una extraña joya, inquietante en ocasiones. Y la proyección 3D, que suele ser motivo de mejores taquillas pero acostumbrada a películas más digeribles, le otorga un aura de misterio y excepcionalidad más potente incluso.

Coraline fue Caroline primero. Y tuvo que dar algo a cambio de su nombre real. Cosa habitualmente trágica, aquí resulta hermosa. Y Gaiman nos explica cómo la parte más interesante del día es el sueño, y cómo a través de él se puede investigar la vida cotidiana.

Selick firma su obra más libre y por ello más extraña. Fuera de Timburtonismos y Brendanfrasers, el director aborda de lleno el género y la técnica, descartando la perfección y frialdad de Corpse Bride en favor de una manualidad hipótica.

Una película que plantea extrañeza pero nos acaricia con el dedo. Un dedo de aguja de coser que quiere abotonarnos los ojos. Botones negros y brillantes en lugar de ojos cansados de ver lo mismo un día tras otro.

Gracias a Coraline me he dado cuenta que alguna gente a mi alrededor tiene botones en lugar de ojos. Se me acercan sonrientes, como si no ocurriera nada. Y yo disimulo y sorbo mi café.
Botones en lugar de ojos. Fijaos bien.

Futurama, nueva temporada!!

2009-06-10T23:24:00.007+02:00

Matt Groening y David X. Cohen vuelven con 26 episodios de Futurama. Se trata de dos temporadas completas de capítulos de media hora, con el mismo formato de las primeras 4.
Despues de las películas troceadas en forma de 16 capítulos y el éxito de ventas en DVD, Comedy Central y FOX han anunciado los nuevos capítulos de una de las series más adoradas por la comunidad geek.

A estrenar en el 2010 en Comedy Central, Futurama vuelve a sus orígenes y a su tono más cómico, dejando la quinta temporada como un extraño experimento televisivo.

All hail Hypnotoad!!

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Terminator Salvation (McG - 2009)

2009-06-10T05:44:00.009+02:00

El "talk to the hand" de Arnie en T3 dejó bien clara una cosa: la franquicia había muerto tal como la conocíamos. De hecho, hay una tendencia generalizada a no tomar en cuenta Terminator 3. Pero decidieron retomar el camino perdido, en la senda de tantas otras franquicias remakeadas y rebooteadas. Dándole el poder a los maravillosos guionistas Brancato y Ferris, autores de Catwoman y la mencionada Terminator 3, que sí existió.

McG, exótico californiano director de videoclips, hizo un trabajo fresco y macarra, cual videoclip, con Los Ángeles de Charlie. Y lo hizo dos veces. Pero nunca había demostrado su pulso narrativo en una película de género, con sus convenciones, recursos y motivaciones de tono.

Nadie se puede sorprender del desastre. Aunque tengo que admitir que tenía ciertas esperanzas en las escenas de acción, terreno más propio del director rubio.

Es un auténtico desastre narrativo. Sus guionistas demuestran unos grados de ineptitud realmente vergonzosos. Y por si el guión despiezado y blando como la manteca no fuera suficiente, hay errores de raccord, errores de montaje y Cristian Bale actúa como si interpretara al Pato Lucas en Un Día de Furia.

No entiendo como alguien no dijo nada.

- Eh, McG, los macarras aparecen de la nada, no lo encuentras raro?

- Eh, los guionistas, las motos-terminator llevan cambio de marchas y frenos para que las conduzcan humanos?

- Eh, el director artístico, están usando un Pen-drive USB para piratear una red de datos en el año 2018?

- Oigan, alguien me escucha? Porqué Skynet tiene monitores y teclado? es una broma?

Da apurillo.

Y me reservo los agujeros de guión de la trama principal, que implican situaciones absurdas y repetitivas, completamente ridículas para los estándares de narrativa que marcaron los 2 primeros Terminator de Cameron.

En los foros de la Imdb ya hay medio centenar de threads hablando de ellos...

Un nuevo personaje intenta reemplazar el hueco de guión dejado por un antagonista-protagonista tan poderoso como el T-800 de Arnie. Evidentemente no lo consigue, ni como semi-protagonista, ni como suspense de antagonista. El actor tiene carisma, pero los guionistas le hacen desfilar en traje de payaso subido a una girafa.

La película tiene un presupuesto de 200 millones de dólares. Es una auténtica tragedia. Y por el momento lleva recaudada esa cantidad en todo el mundo, que no es poco, pero resulta más que insuficiente para rentabilizar la película.

Quizá pensaría que se merecen un batacazo en taquilla por las malas elecciones de producción. Pero da igual, culparían a cualquier cosa antes que a ellos mismos. Y repetirán la hazaña. McG ya está preparando Terminator 5. con más bichos, más naves, más todo.

Es sorprendente cómo un presupuesto mastodóntico puede acabar en desastre colectivo de una manera tan miserable. Ni siquiera la insulsa y repetitiva banda sonora de Elfman consigue arrancar un grado de emoción.

Pero hay un pequeño cameo que alegra los corazones. El gobernator hace aparición triunfal en todo su esplendor digital, con un cuerpo terrible y una expresión metálica.

En otra situación, me guardaría la sorpresa del cameo, pero la tragedia es tan grande que quizá sea uno de los pocos alicientes de la película. Y quizá un par de escenas de acción en plano secuencia, haciendo alardes técnicos de las modernidades de las que no pudo disfrutar Cameron.

Lo que tuvo que sudar Carolco y el buen James Cameron para filmar algunas de las secuencias de T2 no está escrito. Fue una superproducción mastodóntica y épica. De aquellas que hacen historia, como la del año pasado con Dark Knight.

Terminator Salvation rezuma desidia y poca intención por parte de los involucrados. Desde unos créditos lamentables y sarnosos al tercer acto reescrito on-set por Jonathan Nolan. El pobre hermano de Cris Nolan se vió involucrado en una re-escritura de rodaje, siguiendo las descabelladas indicaciones de McG. Porque en Hollywood nadie excepto un guionista puede reescribir nada, bajo castigo legal. Y aún así, Nolan no tiene crédito.

Tras el fichaje de Cristian Bale, McG parece que vió la luz y ordenó las primeras reescrituras, hechas a la medida de Bruce Wayne. Y a mitad de rodaje, los blogs y webs de noticias se hacían eco de una pelea entre Bale y McG. Una pelea en el set de rodaje, donde supuestamente Bale enloquecía y armaba un cristo.

Era la segunda vez que agredían a McG en un rodaje. El primero fue Bill Murray con un cabezazo a la cara durante el rodaje de Charlie´s Angels.

Estoy seguro de que McG es un buen tipo. Se llama Joseph. Joseph McGinty, llamado por su familia y amigos McG desde antes de dedicarse al espectáculo.

El tipo hacía videoclips. Le encargaron unas películas de acción y diversión "over the top" sobre una antigua serie de TV exitosa.

De ahí a dirigir la nueva saga de Terminator con 200 millones de Dólares... no me hago una idea de qué ocurrió.

En el estreno de la película, un McG borracho soltó que Jonathan Nolan había escrito un guión maravilloso y que se sentía orgulloso de formar parte de tal hito cinematográfico.

Pues bien, Terminator Salvation es una de esas barbaridades de Hollywood que ocurren a veces.

Un 33% en Rotten Tomatoes certifica la violación a la que sometió a los críticos especializados, que aún caminan encorvados.

Los espectadores salen con la boca pastosa, llena de tierra. Y unos pocos amantes del cine de acción despendolado y sexualizado salen victoriosos.

Por cierto, sale una niña muda superviviente. Pero es negra, en un ataque de originalidad.

200 millones de dólares.

No entiendo como nadie dijo nada.

Bruce Sterling y la literatura digital

2009-06-09T08:06:00.003+02:00

Bruce Sterling, reconocido autor de ciencia ficción y columnista de Wired, nos brinda 18 puntos mágicos, explicando la problemática de la literatura con el fluir de la tecnología y la cultura en el nuevo siglo.

1. Literature is language-based and national; contemporary society is globalizing and polyglot.

2. Vernacular means of everyday communication — cellphones, social networks, streaming video — are moving into areas where printed text cannot follow.

3. Intellectual property systems failing.

4. Means of book promotion, distribution and retail destabilized.

5. Ink-on-paper manufacturing is an outmoded, toxic industry with steeply rising costs.

6. Core demographic for printed media is aging faster than the general population. Failure of print and newspapers is disenfranching young apprentice writers.

7. Media conglomerates have poor business model; economically rationalized “culture industry” is actively hostile to vital aspects of humane culture.

8. Long tail balkanizes audiences, disrupts means of canon-building and fragments literary reputation.

9. Digital public-domain transforms traditional literary heritage into a huge, cost-free, portable, searchable database, radically transforming the reader’s relationship to belle-lettres.

10. Contemporary literature not confronting issues of general urgency; dominant best-sellers are in former niche genres such as fantasies, romances and teen books.

11. Barriers to publication entry have crashed, enabling huge torrent of subliterary and/or nonliterary textual expression.

12. Algorithms and social media replacing work of editors and publishing houses; network socially-generated texts replacing individually-authored texts.

13. “Convergence culture” obliterating former distinctions between media; books becoming one minor aspect of huge tweet/ blog/ comics/ games / soundtrack/ television / cinema / ancillary-merchandise pro-fan franchises.

14. Unstable computer and cellphone interfaces becoming world’s primary means of cultural access. Compositor systems remake media in their own hybrid creole image.

15. Scholars steeped within the disciplines becoming cross-linked jack-of-all-trades virtual intelligentsia.

16. Academic education system suffering severe bubble-inflation.

17. Polarizing civil cold war is harmful to intellectual honesty.

18. The Gothic fate of poor slain Poetry is the specter at this dwindling feast.

V, remake de ABC para este año

2009-05-22T21:26:00.002+02:00

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Agotado el filón de Battlestar Galactica, ABC toma el camino del remake y la reinvención de series añejas tal como hizo SciFi en el 2004.
V es un mito cultural en España. Los lagartos, Diana, Willie y Mike Donovan forman parte de la generación que creció en los años 80. Yo mismo sufrí la fiebre de V y hasta compré ratones de chocolate para comérmelos, como mis adorados lagartos. El merchandising ilegal y cutre-copia inundaba calles y centros comerciales. Y se pintaban Vs rojas en casi cualqueir cosa.
Los efectos especiales eran sublimes para la época, pero han envejecido muy mal. No obstante, los personajes estaban deliciosamente bien construidos. El concepto universal de la resistencia contra la invasión traspasaba el plot inicial de lagartos alienígenas que comen ratones y hacía crecer el orgullo y el patriotismo. Eran aquellos años en los que los niños españoles eran patriotas americanos.
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El remake se antoja correcto y de aspecto limpio. Los efectos especiales hoy en día ya no son ningún misterio. Aunque tengo mis reservas sobre el diseño de producción de la serie. Y el casting aún es algo blando, a excepción de la mala malísima Morena Baccarin, una habitual en series sci-fi (Firefly, Stargate), y Elizabeth Mitchell, la adorada Juliet de Lost.

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Lost, Final de la Temporada 5

2009-05-15T08:32:00.007+02:00

El primer season finale que veo en tiempo real ha resultado ser el más irritante y menos complaciente con el espectador. Tiene narices que me haya tocado disfrutar del desenlaces más críptico de toda la serie, porque obviamente el último desenlace, el de la temporada final dentro de 8 meses, será el caítulo de las revelaciones de Lost.

SPOILERS SUAVES

Lost es una de esas grandes obras que explican el orígen de la humanidad, de las civilizaciones y aportan una visión poética al sentido de la vida y la existencia. En un sentido similar al que los clásicos de la literatura rusa tratan el castigo, el fraticidio y el peso familiar en la historia de las culturas, Lost se mete de patas en una teoría unificada de la proto-civilización que dió orígen en oriente medio al hervidero de culturas neolíticas.

El papel de la isla en el proceso aún no queda nada claro, pero la dicotomía de bien-mal, piedra negra-piedra blanca y hermano contra hermano se ha cerrado. Y las teorías sobre Jacob y Esau toman forma, uniéndose a la estatua gigante de 4 dedos que no habíamos ubicado completamente hasta ahora.
El que parece ser Sobek, reencarnación en cocodrilo de Seth, es una figura mitológica en el panteón egipcio que completa el plot eterno del asesinato entre hermanos.
La unificación de la genealogía de la casta de Abraham con la de Horus empieza a sonar a partitura grandilocuente que quizá decepcione a muchos espectadores en el grand finale del 2010. Pero estoy seguro que muchos disfrutaremos con la extraordinaria lección de historia antigua de la isla, en la que sólo faltan por aparecen Gilligan y sus amigos.

Bernard y Rose cierran de forma hermosa aquel inicio misterioso 5 años atrás, en unas cuevas. Claire embarazada se refugiaba de Los Otros mientras encontraban los cadáveres de "Adán y Eva". Probablemente Adan y Eva son Bernard y Rose, la versión romántica de la pareja. Aquellos que simplemente disfrutan el uno del otro y yacen tendidos juntos ante su muerte.

El rótulo final de LOST en fondo blanco significa que la sexta va a ser una montaña rusa. Que las primeras 5 temporadas, con rótulo negro, existen simplemente para explicarnos a nosotros, simples mortales, la mitología que no conocemos. Y que en la sexta temporada, veremos el desenlace de una historia eterna, que se remonta a los inicios de la historia documentada de la humanidad.
Supuestamente ése era el tema inicial de una serie que empezó explicando las aventuras de los supervivientes de un accidente de avión. Y digo supuestamente porque es increíble pensar en las vueltas que ha dado Lost. Parece una fábula India, de esas en las que se explica un cuento de animales interminable para acabar diciendo que la vida se reduce a matar a tu vecino para no morir de hambre.

ATENCIÓN, BIG SPOILERS

El truco de la recalibración de personajes muertos o desaparecidos ya lo hemos visto en Heroes de forma algo burda. Pero tengo que admitir la eficacia del truco de prestidigitación guionística al que nos han sometido durante la quinta temporada con John Locke. Pocas veces un personaje muerto del casting de una serie ha sido justificado de una manera tan extraña para una temporada ya firmada de antemano. Pero a pocos va a sorprender el contenido de la caja que lleva Iliana.

Jacob, hijo de Isaac, hijo de Abraham, padre de los judíos, cristianos y musulmanes, es víctima de un acto de ira algo chapucero. Y la tela que ha tejido con sus manos parece ser de una importancia capital para el futuro narrativo. Así como el dichoso perro ya sabemos desde hace varias temporadas que puede convertirse en el Gollum de Lost... el tapiz se suma a la lista de elementos narrativos que pueden ser plantings seminales en el inicio del proyecto.

Pero de todos, la estatua del dios cocodrilo y pies de 4 dedos se erige como el misterio más funcional y apocalíptico. El enigma de su destrucción es intrigante, pero su existencia es suficiente para crear pavor lovecraftiano.
Ben Linus ha superado la barrera de la animadversión. a partir de ahora todo es cuesta arriba para crear simpatía y catarsis, el efecto contrario al que han sometido al personaje de Jack. A lo largo de las últimas 2 temporadas ha sufrido una transición. De héroe a odioso mecanismo de guión con la fé ciega de la desesperación y el camino sin retorno en el que se ve inmerso. El público adoraba al Jack con respuestas y soluciones, y ha odiado profundamente a su versión actual: dudosa, fanática y babeante.

Lost es un fenómeno social. Su mitología ya alcanza otros medios, y su influencia se ha dejado notar en la producción de TV moderna. J.J. Abrams está pasando por el mejor momento de su carrera, y sólo una brillante temporada final de LOST le puede encumbrar definitivamente. Sus méritos con Star Trek y el aclamado season finale de Fringe no son suficientes todavía. El año que viene se pondrán a prueba los garabatos en sus libretas y los esquemas ininteligibles que tanto le gustan y seguro pueblan las paredes de su casa.

Edit: Parece que la estatua representa a Taweret, diosa hipopótamo de la fertilidad en lugar de Sobek, dios cocodrilo de la fertilidad. Cuando la podamos ver de frente y comprobemos si tiene pechos de mujer, quedará definitivamente resuelto.

Star Trek (J.J. Abrams - 2009)

2009-05-13T04:01:00.015+02:00

En la era de los remakes, prequels, sequels, reboots y en definitiva, cualquier cosa que sirva para estrujarle las tetas a la vaca, Star Trek brilla con luz propia como ejemplo de corporativismo y cine blockbuster bien entendido.
El arranque de fin de semana fue bueno en taquilla, con casi 87 millones en EEUU y una cifra por determinar sumando el resto del mundo. Probablemente se acerque a los 150 Millones o incluso los supere en su primer fin de semana. Ayer lunes, hizo otros 7,5 millones. En un lunes.
Con lo que casi seguro veremos otro éxito veraniego de taquillazo acompañado de clamor popular y éxito descomunal entre la crítica. Un fenómeno antaño imposible, utópico, que se ha repetido últimamente con títulos como Iron Man, pero sobretodo con Dark Knight, el hombre de los mil millones.
Con todo esto, vengo a decir que Star Trek sigue un camino prácticamente perfecto en la jungla despiadada de las superproducciones de Hollywood. Y no hay ningún actor muerto para que el listo de turno niegue los méritos de los autores del film y atribuya éxitos inesperados a los avatares del destino.

J.J. Abrams dirige desde el respeto una franquicia antigua, compleja y devastada por unas últimas películas y series muy mediocres. Star Trek Némesis y Enterprise son dos ejemplos de muerte por desidia. Pero sin ser un fan, consigue separarse lo suficiente para enfocar un film hijo de su tiempo, hiperactivo y con glamour, algo perdido tiempo atrás desde los tiempos de Picard y Marina Sirtis.

Star Trek es un reboot a la franquicia, pero de una forma completamente original. Habitualmente se hacen resets a las franquicias como James Bond, Batman o Superman de la forma más sencilla, volviendo a empezar y desmarcándose del material anterior.
En el caso de Star Trek, toda lo ocurrido anteriormente sigue ahí, vivo, en un limbo espacio-tiempo que perdurará para siempre, vigilado por Leonard Nimoy. Y las nuevas generaciones disfrutarán a unos nuevos actores con unas nuevas propuestas de guión y tono más acordes a los nuevos tiempos. Pero sin darle el manotazo a los 40 años de historia de Star Trek.
Se trata de algo muy complicado de ejecutar, pero que J.J. Abrams, entrenado en las terribles encerronas de guión que le procura Lost, sale airoso de la contienda. Las dos orejas y el rabo.

Las interpretaciones son más que dignas. Zachary Quinto haciendo de Spock ya funcionaba a nivel social desde el trailer. Chris Pine demuestra que tiene sangre en las venas, como Shatner. Y Zoe Saldana es terriblemente sexy y sugerente, al estilo de la antigua Uhura, 40 años atras. Nichelle Nichols era muy hermosa, y en sus inicios como Uhura fue una revolución cultural, al ser una de las primeras actrices negras protagonistas en un show de TV en EEUU. El Dr. Luther King la animó a continuar y así empezar a conquistar el terreno vedado para actores afroamericanos hasta la fecha. El pobre Dr. King no vivió para ver a Obama persidente, por cierto, Trekkie reconocido.

Los demás integrantes rebooteados son Scotty, Chekov, Sulu y Bones. Y ellos configuran el espectro más humano y cómico, elementos claves de la serie original y perdidos en las últimas décadas por la pompa y la circunstancia de la Prime Directive.

El uso de Romulanos rebeldes y Eric Bana con tatuajes puede parecer extraño, pero vuelve a acertar en la diana. Los Klingons ya no son el enemigo. Ya cayó el muro de Berlín.
Como muchos ya sabeis, los Klingons son una analogía a los comunistas de la Unión Soviética, que por aquellos años 60 eran el diablo y competían con EEUU por la llegada del hombre a la luna y por el dominio militar mundial. Las aves de presa Klingon estaban iluminadas en su interior por luces rojas y vestían ropas de abrigo, con pieles y recias armaduras. Gritaban y escupian las palabras, en un idioma que ya se ha hecho famoso. No hace falta seguir con las analogías para comprender el background histórico.
Los romulanos en cambio, han sido enemigos de la Federación alternativamente, pero nunca de forma completamente abierta, siendo The Next Generation su campo de experimentación. Y Eric Bana en su poderío físico hace de súper-antagonista de Kirk, con algunos matices que recuerdan al inefable Khan, aquel Ricardo Montalban con pechera descubierta.

Se trata de un milagro de Hollywood. De esos que ocurren de vez en cuando y le vuelven a pegar un pisotón al resto de cinematografías del mundo. Una película que alcanza un 96% en Rotten Tomatoes y entusiasma al público. De esas películas que consiguen que los nerds fanáticos agachen la cabeza y disimulen que han perdido sus apuestas agoreras. Un taquillazo seguro y un reset brillante a una franquicia que muchos adoramos desde hace muchos años y ya no sabíamos cómo disfrutar.
Pero no olvidemos que Star Trek se divide claramente entre films y TV, y que en definitiva, los films son productos derivativos de un concepto televisivo, que alcanzó su esplendor y perfección en los años 90, en los años de Patrick Stewart.
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Superando el escollo emocional de enterrar a los viejos amigos y actores, Star Trek triunfa en terreno volcánico, recordando emociones propias de su archienemiga franquicia. Star Trek nunca fue especialmente aventurera y emocionante al estilo de Han Solo y Vader, pero siempre le ganó la partida en una cosa... y nadie lo diría, pero las mejores batallas de naves espaciales se las lleva el Enterprise.

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Y Spock es el mejor.

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The Princess & The Frog, PREVIEW con John Lasseter

2009-05-06T00:23:00.002+02:00

The Princess & The Frog es el estandarte de la vuelta a la animación 2D tradicional por parte de Disney. Lasseter, en funciones de director creativo de la factoría Disney, ha desempolvado los cimientos y los orígenes de la compañía del ratón. La película hace uso de la antigua fórmula de la princesa heroína, y la rana rememora a los grandes directores de animación como Richard Williams.

John Musker y Ron Clements (Treasure Planet, Hercules, Aladdin, The Little Mermaid...), dos pesos pesados en la compañía, dirigen el film.

El siguiente preview muestra algunas escenas nuevas de la película, a estrenar en Diciembre de este año.

Dragonball, 25 Años de Bola de Drac

2009-05-05T03:59:00.031+02:00

Han pasado ya 25 años desde la creación de Dragonball, en aquel lejano 1984 por un mangaka llamado Akira Toriyama. El éxito de su obra, adaptada a anime en 1986, fue de proporciones cósmicas. Más de 500 capítulos de animación, dividido en 3 series, 42 volúmenes de manga, 14 videojuegos, 17 documentales y ventas de consumo superiores a los 4.000 millones de dólares.

Las imágenes que acompañan son homenajes de mangakas:

01 - Eiichirō Oda (One Piece)
02 - Masashi Kishimoto (Naruto)
03 - Shinya Suzuki (Mr. Fullswing)

Dragonball supuso, junto a la película Akira de Katsuhiro Otomo, el boom del anime y el manga en occidente a principio de los años 90. Basado en Viaje al Oeste, el clásico de la literatura china, Dragonball sitúa a un niño llamado Goku en una realidad alternativa y fantástica, similar a la creada para la obra Dr. Slump, publicada en 1980 y origen creativo de Toriyama.
El mundo de Goku es una mezcla entre lo oriental y lo accidental, con tecnología futurista y grandes tradiciones. Un lugar creado a base de enormes islas, rodeado de agua y plagado de bosques y parajes naturales inspirados en Japón, China o el sureste asiático.
Personajes antropomórficos, humanos con pelos de colores y animales parlantes como Oolong o Puar (un cerdo y un gato? que vuela) pueblan la serie, junto con otros personajes fantásticos creados en el universo fantástico que Toriyama había inventado.

01 - Yoshio Sawai (Bobobo-bo Bo-bobo)
02 - Yusuke Murata (Eyeshield 21)
03 - Noriaki Kubo (Bleach)

El éxito de Dragonball se atribuye a varios motivos. Por un lado, su fenomenal estructura de aventuras al estilo más clásico, buscando las bolas de dragón por todo el mundo en compañía de sus amigos y superando obstáculos cada vez más difíciles. Todo aderezado por unos antagonistas en ocasiones divertidos y entrañables como Pilaf, o terribles némesis de orígen maligno como Piccolo.
Uno de los arcos argumentales con más éxito fueron las aventuras de Goku contra el ejército de la Cinta Roja (Red Ribbon). Lleno de luchas èpicas contra sus generales, sus robots y la búsqueda de tesoros escondidos en lugares peligrosos. En uno de los capítulos se produce el cross-over con Dr. Slump, y Arale hace amistad y con Son Goku, creando situaciones imposibles y entrañables.

01 - Kentaro Yabuki (Black Cat)
02 - Yasuhiro Kanō (Pretty Face)
03 - Miki Itō (Granada)

Los otros arcos argumentales de éxito fueron las ediciones de los Torneos de Artes Marciales, épicas batallas para descubrir los personajes más variopintos y disfrutar luchas entre amigos, en ocasiones rivales. El final de los primeros 150 capítulos es la titánica lucha entre la reencarnación de Piccolo y el Goku adolescente que transicionaba entre el el prqueño Goku cabezón de los inicios y el adulto de Dragonball Z.

01 - Nakaba Suzuki (Kongo Bancho)
02 - Kenichi Sakura (Dragon Drive)
03 - Kenjiro Takeshita (Kakeru)

Dragonball Z fue una revolución temática. Goku pertenecía a una raza alienígena de guerreros cósmicos y Piccolo era un habitante del planeta Námec, el orígen de las bolas de dragón. Freezer era el gran antagonista, otro alienígena.
Fue una revolución, tanto a nivel de tono, con más violencia de la nunca vista y por su transición a una estructura moral más adulta. El proceso de crecer con la audiencia lo ha repetido J.K Rowling con su saga Harry Potter y los resultados han sido parecidos.
A mitad de la serie, Dragonball Z se volvía repetitiva, y daba orígen a otro gran villano, Cell. Y despues de la interminable saga de robots asesinos y viajes en el tiempo, aparecía el último en discordia, Buu, haciendo uso de un poder hasta ahora poco explorado, la magia.

01 - Norihiro Yagi (Claymore)
02 - Arina Tanemura (Full Moon o Sagashite)
03 - Ryo Azuki (W Pinch)

La longevidad de la saga es un caso único de éxito cultural y propagación memética. Llegando a todos los rincones del mundo, Dragonball ha sido un éxito entre niños y adolescentes durante 15 años. La cantidad de productos relacionados con la saga es indecente, y algunos fenómenos locales como el de las fotocopias a principios de los 90 fueron realmente intensos.

El 5 de Abril se estrenó Dragonball Kai, una remasterización de la serie Dragonball Z, con intro y ending nuevos y tratamiento digital de la imagen. La narrativa se ha cambiado ligeramente, haciéndola más parecida al manga original, y los frames dañados originales se han suprimido. Pero viendo el resultado final a calidad HD, hay que decir que la remasterización de la imagen es pobre. La imagen vibra y la resolución se nota hinchada de un material original pobremente escaneado.

01 - Rikdo Koshi (Excel Saga)
02 - Kouta Hirano (Hellsing)

Dragonball sigue siendo una franquicia de sorprendente éxito. Los fans de hace 15 años siguen recordando la serie y el manga con cariño. Pero habrá que ver si las nuevas generaciones seran afines a las aventuras de Goku o encontrarán un sustituto más fiel a los nuevos tiempos. Se habla de One Piece como el heredero del espíritu de Dragonball, y otros hablan de Naruto como la repetición de la fórmula serializada. De cualquier forma, las sagas de animación son cada vez más escasas. Los costes de producción son muy altos, y en vista de la crisis del anime en Japón, se esperan tiempos duros para las series del estilo.
Pero hay algo seguro, una buena saga con personajes carismáticos genera más dinero que una trilogía de Peter Jackson. Goku morirá algún día, pero morirá rico y gordo.

Dragonball Evolution (James Wong - 2009)

Se diría que es un completo fracaso, en el sentido más amplio de la palabra. Pero sorprendentemente, es una eficaz película de aventuras infantil, con un buen ritmo, peleas y humor limpio. Y quizá eso es un pecado inexcusable para las legiones de seguidores mayores de 20 años que crecieron con Dragonball y ahora no saben como encajar el golpe en la mandíbula de James Wong.

Ni al caso comparar la fidelidad con la obra original. Se trata de una pobre excusa para hacer un film infantil de aventuras y efectos especiales. Con unos prostéticos para Piccolo más que lamentables, el villano de la película es un auténtico chiste comparado con la tragedia Shakesperiana de la serie original, llena de violencia, venganza y redención.

Justin Chatwin no es un mal actor para el papel, pero el primer Goku era considerablemente más joven, siendo el interpretado por Chatwin el de la última parte de la serie, enfrentado al hijo de Piccolo, nacido de un huevo. Pero Chow Yun Fat se convierte en una caricatura de sí mismo, interpretando al maestro Muten Roshi, sin caparazón de tortuga y con camisa hawaiana.
Emmy Rossum tambien abraza a su papel de Bulma con alegría, y consigue simpatizar rápidamente, sobretodo cuando lanza su cápsula Hoi-Poi. Aunque quizá la única actriz cómoda en su papel es Jamie Chung, que por alguno extraño motivo, parece disfrutar de su papel de Chi-chi (pronunciado Chi-Chí, para evitar males mayores).

Dragonball es una película que dura una hora y 13 minutos, con escena secreta y cliffhanger final a mitad de créditos. Los personajes viven en un pseudo-EEUU, con una ambientación occidental y un tono completamente alejado de la obra original. Incluso los efectos especiales se alejan del aspecto tradicional del Kamehameha o los poderes de Piccolo, convirtiéndose en halos de energia dispersa y montones de capas de post-producción. Los decorados y localizaciones no tienen nada que ver tampoco con los icónicos lugares de la serie y manga, como los bosques en los que crece Goku o la isla del Torneo de Artes Marciales. Prácticamente nada es lo que debería ser. Y todo se convierte en un mal chiste cuando los rumores sitúan el presupuesto entre los 45 y los 60 millones de $. Algunas fuentes cifraban el coste total en 100 millones, aún habiendo rodado prácticamente todo en México y usado estudios de post-producción baratos en otros países.

La recaudación hasta el momento es de 55 millones de $ en todo el mundo, un auténtico desastre, pero previsible en una época del año muy poco adecuada para las películas infantiles.
Peor aún la recaudación de 8 millones en EEUU... en 2.181 salas... es una hecatombe para una película de ese presupuesto y distribución, pero en Asia, en países más humildes y menos acostumbrados a los hits basados en leyendas propias, ha tenido un arranque muy decente, compensando la tragedia de taquilla que se vive en occidente.

El planteamiento del film era erróneo desde un principio. Otra de esas adaptaciones de éxitos comerciales al sistema norteamericano y el patrón estético y moral de Hollywood. Pero ya hace unos años que la fórmula no funciona de igual manera. El público ha superado ciertas barreras, gracias al avance cultural generacional, pero los trajeados de Hollywood siguen igual de ricos e igual de ignorantes a los cambios que se producen a su alrededor.

Sin duda, es una bofetada para cualquier persona que haya crecido con Dragonball, pero en el sentido más estricto del género de aventuras y artes marciales, es una decente y divertida película infantil, al estilo de aquellas divertidas secuelas de los Kung Fu Kids pero con los soportes tecnológicos de Spy Kids. Que nadie espere ver una película melancólica, que le recuerde a su infancia o juventud. Ni siquiera se utiliza la música original.
Sospecho que la culpa de que Goku vaya al instituto y sea el friki de la clase es fruto de High School Musical.

Fanboys (Kyle Newman - 2008)

2009-05-05T03:31:00.010+02:00

Fanboys es la risa. Se trata de una película para fans, hecha por fans con un casting de fans en su gran mayoría. Incluso tiene el beneplácito de George Lucas, el cameo de Kevin Smith, sale Harry Knowles interpretado por Ethan Suplee, Ray Park haciendo acrobacias, Seth Rogen de trekkie y un papel estelar de William Shatner. Lo tiene todo para los fans, sean de Star Wars o no. Aunque un neófito puede perderse dos docenas de referencias y chistes, seguirá disfrutando del jugoso zumo de nerd que nos brinda Kyle Newman despues de un ajetreado y problemático rodaje.

Hubo algunos incidentes con el asunto del cancer. Y en un momento dado, se encargó a otro director (Steven Brill, el de los Mighty Ducks)refilmar algunas escenas y recortar la película para extirpar la enfermedad del film. La desenfrenada ira de los fans en internet provocó la vuelta de Kyle Newman y en 36 horas tuvo que remontar la película con cancer incluído a tiempo para su estreno. Un final accidentado para una road-movie divertidísima, Carrie Fisher incluída.

Puede tener sus altibajos, su anticlimax a mitad de película y un desconcierto en el orden de las escenas en algunas ocasiones, pero es realmente graciosa. Una comedia sobre unos chicos que viajan al rancho Skywalker para poder echar un vistazo a la copia de trabajo de Episodio I unos meses antes del estreno oficial. Uno de ellos tiene cancer terminal. Sus amigos deciden que merece ver la película. Y la road-movie comienza, en un alarde de ingenio y bromas privadas para geeks.

Ningún fan puede perdérsela, es tan divertida como un buen capítulo de The Big Bang Theory. Y como en la serie de Sheldon y Leonard, nos reconocemos a nosotros mismos diciendo las mismas cosas que los protagonistas. Algunos más y algunos menos, pero todos somos algo geeks.

¿Cual es el planeta natal de Chewbacca?
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Interview Project, un documental de David Lynch

2009-05-03T21:03:00.005+02:00

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Un viaje por EEUU y más de un centenar de pequeños capítulos documentales sobre entrevistas a personas encontradas por el camino. 70 días haciendo preguntas a personajes al azar.
El proyecto arranca el 1 de Junio en davidlynch.com.
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DAVID LYNCH PRESENTS INTERVIEW PROJECT from interview project on Vimeo.

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Heroes y batacazos

2009-05-01T00:17:00.013+02:00

Se acabó la tercera temporada con el último capítulo del cuarto volumen. Yo tambien creo que es demasiado confuso el orden de temporadas y volúmenes, para acabar de marear la perdiz.

Heroes agoniza, y aún agonizará un quinto volumen. La NBC ha dado luz verde para una temporada extra, despues de rumores que aseguraban que se cancelaría de forma casi inmediata.
Las audiencias han bajada de los 17 millones iniciales a los apenas 6 millones que ha congregado en sus últimos dos volúmenes.

Season		Title	Episodes	Premiere	Finale	DVD release dates
Season		Title	Episodes	Premiere	Finale	Region 1	Region 2	Region 4
	1	Volume One: Genesis	23	September 25, 2006	May 21, 2007	August 28, 2007	December 10, 2007	September 19, 2007^[30]
	2	Volume Two: Generations	11	September 24, 2007	December 3, 2007	August 26, 2008	July 28, 2008^[31]	October 1, 2008^[32]
	3	Volume Three: Villains	13	September 22, 2008	December 15, 2008	TBA	TBA	TBA
	3	Volume Four: Fugitives	12	February 2, 2009	April 27, 2009	TBA	TBA	TBA
	4	Volume Five: Redemption	18-20	TBA	TBA	TBA	TBA	TBA

Ese es el organigrama técnico de la distribución de volúmenes según la Wikipedia.

El lunes se emitió el último capítulo de Volume 4: FUGITIVES, de nombre: An Invisible Thread.
Y como los fans acérrimos ya sabían, era un buen capítulo y un buen Season finale. Con algunos giros sorprendentes y algunos recursos de guión realmente inspirados.

La serie había caído en picado desde el insulso final de su primera temporada, un auténtico gatillazo a una primera temporada emocionante y en ocasiones brillante. La segunda temporada había sido un despropósito mayúsculo al introducir personajes ridículos basados en conflictos sociales del EEUU del 2008. La chica copycat que procede de New Orleans y el Katrina y los inmigrantes latinos que viajan hacia el sueño americano... son dos formas claras de perder el foco de una serie basada en una idea sencilla, los superhéroes de cómic.

El segundo volumen es completamente olvidable, sobretodo por la ridícula linea argumental paralela de Hiro en el Japón feudal. El archienemigo del volúmen es un tipo rubio con aspecto cool que no tiene más remedio que desaparecer a final de temporada por lo inverosímil que resulta dentro del plantel de heroes principal. Y tiene guasa que un héroe resulte inverosímil...

El Volumen 3 arrancaba con cierta gracia, y con muestras de querer cambiar, de querer recuperar aquel mítico inicio de temporada dos años atras. Volviendo a traer algunos elementos de la mitología inicial de la serie, y recuperando líneas argumentales tapadas muchos capítulos atrás, los guionistas y Tim Kring dieron con la fórmula para estabilizar levemente el desastre.
Pero no sería hasta el Volumen 4 cuando todo ese trabajo de limpieza y focalización diera su fruto. Porque el desastre había lastrado una cantidad de problemas coyunturales y candados de guión que era practicamente imposible deshacer.

Hiro y Ando se establecen como personajes cómicos. La familia vuelve a ser punto focal en todo el entramado emocional. Y Sylar vuelve a ser el malo, el villano terrible e indestructible.
Todo enlazado gracias a un nuevo orden institucional creado por Nathan Petrelli y un nuevo personaje secundario sin poderes que hace las veces de Antagonista activo. Zelijki Ivanek, un actor con mucha experiencia en TV series, hace las veces de Noah en su caza de personajes con poderes, pero en un sentido más fascista de lo que nunca nadie se atrevió fuera de X-men y el racismo hacia los mutantes. Ángela Petrelli por fin decide convertirse en personaje activo y desvela la génesis de Heroes, en uno de los mejores capítulos de la serie, en formato Flashback.
1961 es el año en el que se inició todo, y gracias al cuarto volumen, podemos entender la linea de tiempo que recorren las generaciones de personajes con poderes. Curiosa la similitud con algunos elementos narrativos de Lost... pero es difícil no asimilar elementos narrativos de la serie más influyente de los últimos años.

Sumando a la reinvención mitológica de Heroes, Sylar busca a su verdadero padre. Y en su road-movie paralela, encontramos los últimos fragmentos que completan el puzzle del supervillano. Sylar es un gran personaje, que en el tercer volumen ya acaparaba toda la atención en su versión alternativa del futuro, pero que en el Volumen 4 se convierte en un bastión emocional, sobretodo despues de conocer a su verdadero padre y la pequeña escena del conejo.

Es obvio que la serie tiene algunos lastres imposibles de cortar. Hay algunas soluciones de guión completamente hilarantes. Y algunos poderes al nivel de la chica Wi-fi de la primera temporada. Pero en realidad, esos poderes camp le otorgan un giro hacia lo que realmente configuraba la serie en sus inicios, el cómic de superheroes. En la preview del Volumen 5: Redemption, podemos ver definitivamente que la serie gira hacia eso mismo, hacia los poderes y el regusto del cómic. Con giros de guión clásicos y dignos de Marvel, los personajes cambian de dirección, resucitan y luchan entre ellos, al estilo clásico, al estilo que todo el mundo quería. Y si recordamos la batalla entre Peter y Sylar en aquel grandioso capítulo 20 del Volumen 1, Five Years Gone, nos viene a la memoria la emoción de ver una batalla de poderes por primera vez.

Heroes no se ha convertido de pronto en una gran serie, pero definitivamente ha escalado arduamente una pared de hielo argumental. Con sus guionistas haciendo trabajos magníficos de limpieza y enfoque, consiguiendo una tercera temporada más que digna, y un Cuarto Volumen en concreto, en ocasiones sobresaliente. Lástima de sus errores de planteamiento, insalvables, y su segunda temporada, desastrosa y humillante. Veremos una cuarta temporada, Quinto Volumen.
NBC ha dicho que la serie es rentable gracias a los espectadores de fuera de EEUU y las ventas y mercancía derivada. Así pues, tenemos una última temporada por delante, dispuesta a lanzar todo el arsenal pirotécnico que les quede en el almacen.
Heroes puede ser muy irregular, pero tiene algunos personajes y situaciones realmente carismáticos. ¿Cómo tratarán los años a la serie? Nunca se puede decir, pero por lo menos dejó muy buenas emociones en muchos de nosotros.

Madre de Sylar: "¿Cómo voy a querer que seas alguien normal sabiendo que eres extraordinario?

Mass Effect 2 Artwork

2009-04-30T21:32:00.007+02:00

La secuela del brillante Mass Effect saldrá a la venta a principios del 2010, evitando la aglomeración de títulos triple A en navidades. Como era de suponer, mantendrá el universo de juego que ya conocemos, e incluso reconocerá la partida guardada anterior y tomará como válidas algunas de las elecciones previas de la primera parte.

Bioware es una compañía con títulos brillantes, como por ejemplo Knights of The Old Republic, Jade Empire y Baldur´s Gate, especializada en títulos RPG.

Hace pocos días se liberaron nuevas imágenes de artwork de Mass Effect 2. Recopilando las aparecidas hasta ahora, aquí las podemos disfrutar.

Aprovechando la coyuntura, dejaremos aquí tambien el teaser:
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Los 50 mejores discos de los últimos 5 años, según la revista Clash

2009-04-29T03:42:00.004+02:00

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La lista está llena de rarezas para muchos de nosotros, pero poco a poco descubrimos las joyas que acompañan a los Kings of Leon, Artic Monkeys, Franz Ferdinand, Sigur Ros, Radiohead, The Knife, The Killers, Amy Winehouse... y los ganadores, Arcade Fire, con su emocionante "Funeral".

Lista de ClashMusic: (link)

50: The Killers, ‘Hot Fuss’
49: Kasabian, ‘Kasabian’
48: Deerhunter, ‘Microcastle’
47: Bat For Lashes, ‘Fur and Gold’
46: Vampire Weekend, ‘Vampire Weekend’
45: MGMT, ‘Oracular Spectacular’
44: Portishead, ‘Third’
43: Elbow, ‘The Seldom Seen Kid’
42: Amy Winehouse, ‘Back To Black’
41: Santigold, ‘Santigold’
40: Late Of The Pier, ‘Fantasy Black Channel’
39: Sigur Rós, ‘Takk…’
38: Efterklang, ‘Parades’
37: Liars, ‘Drum’s Not Dead’
36: The White Stripes, ‘Get Behind Me Satan’
35: Hot Chip, ‘The Warning’
34: Fleet Foxes, ‘Fleet Foxes’
33: Benga, ‘Diary Of An Afro Warrior’
32: Feist, ‘The Reminder’
31: Broadcast, ‘Tender Buttons’
30: Battles, ‘Mirrored’
29: Klaxons, ‘Myths Of The Near Future’
28: Tunng, ‘Mother’s Daughter And Other Songs’
27: The Libertines, ‘The Libertines’
26: Kanye West, ‘The College Dropout’
25: Apparat, ‘Walls’
24: Burial, ‘Burial’
23: Gallows, ‘Orchestra Of Wolves’
22: Caribou, ‘The Milk Of Human Kindness’
21: Broken Social Scene, ‘Broken Social Scene’
20: Sufjan Stevens, ‘Illinois’
19: Soulwax, ‘Nite Versions’
18: The Bug, ‘London Zoo’
17: Brian Wilson, ‘SMiLE’
16: Isolée, ‘We Are Monster’
15: My Morning Jacket, ‘Z’
14: Franz Ferdinand, ‘Franz Ferdinand’
13: Joanna Newsom, ‘Ys’
12: Modeselektor, ‘Hello Mom!’
11: Bloc Party, ‘Silent Alarm’
10: Animal Collective, 'Merriweather Post Pavilion'
9: J Dilla, ‘Donuts’
8: Arctic Monkeys, ‘Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not’
7: M.I.A., ‘Arular’
6: LCD Soundsystem, ‘LCD Soundsystem’
5: The Knife, ‘Silent Shout’
4: TV On The Radio, ‘Return To Cookie Mountain’
3: Kings Of Leon, ‘Because Of The Times’
2: Radiohead, ‘In Rainbows’
1: Arcade Fire, ‘Funeral’
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Uncharted 2 Artwork

2009-04-28T21:46:00.010+02:00

Para los fans de la preproducción y el artwork, aquí os dejo unas muestras de la segunda parte de uno de los mejores juegos de Playstation 3, obra de Naughty Dog.

Uncharted 2: among Thieves es una versión masculina de Lara Croft, con protagonista de nombre Nathan Drake. En esta ocasión, la pista de Marco Polo y sus viajes le da sentido a una secuela muy esperada.

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Via: IGN.
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Terminator Salvation, Moto-Terminator Artwork

2009-04-28T17:53:00.006+02:00

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Han aparecido algunas fotos de un diseño de Terminator-Moto para la nueva película.
Supuestamente aparece en el libro de arte de Terminator Salvation que saldrá poco antes del estreno. Hay que decir que el diseño tiene su gracia...
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Faith Fighter, un juego de lucha entre dioses

2009-04-28T06:13:00.007+02:00

De nuevo la estúpida polémica sobre religión. Pero en este caso parece directamente diseñado para polemizar.
El grupo multimedia italiano Molleindustria ha diseñado algunos juegos en Flash. Entre ellos el Pedopriest, el Orgasm Simulator o el Queer Power, por mencionar a los más irreverentes. Pero gracias al Faith Fighter han conseguido despertar la polémica a nivel internacional. Los más indignados han sido los musulmanes, obviamente. Aunque al inicio se pueda escoger una versión censurada de Mahoma, las bombas acojonan a cualquiera.

http://www.molleindustria.org/faith-fighter

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Nota: Han retirado el Faith Fighter de la web. En su página dan las explicaciones pertinentes... Pero parece que se puede encontrar el juego por otros lugares.
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Faith Fighter es un juego en Flash al estilo Street Fighter con Mahoma, Dios, Jesus, Budai, Buddha y Ganesha. Y la jugabilidad es sorprendentemente buena.

Hay que decir que el juego fue hecho hace un año, y que la opción de censura estaba incluida desde el principio. Y que estaba hecho para provocar, obviamente.
Pero ya sabemos como es la prensa, que ha querido ver una gran noticia en este sencillo juego.
Esperemos que no haya represalias como en el caso de la caricatura danesa de Mahoma...
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El cine y las sagas de los años 70

2009-04-27T03:28:00.014+02:00

Los 70´s son unos años ligeramente olvidados para nuestra generación cultural. De forma casi inaudita, los 70´s se esconden entre los 80´s que actúan como mascota del S.XX y los 60´s, que simbolizan el inicio de la cultura juvenil y desdramatizada que vivimos, ajena a guerras mundiales y conflictos post-colonialistas.

En la última semana he visto algunas de las películas que se hicieron en esa década. Algunas maravillas de bajo presupuesto que crearían franquícias y reinventarían géneros, y otras grandes películas de estudio que abrirían brecha en el sistema de Hollywood.

Halloween, de un primerizo John Carpenter es una pequeña obra maestra de 1978. Con presupuesto ínfimo, una desconocida Jamie Lee Curtis empezó su carrera como Scream Queen. Pero la soberbia de la pequeña película de Carpenter es la realización y el punto de vista de la cámara en el lugar de asesino. Una melodía repetitiva pero maravillosa del propio Carpenter integra de forma mágica el terror y el voyeurismo de un film que crearía una legión de seguidores. Media docena de secuelas, un remake-precuela de Rob Zombie, y un estilo repetido hasta la saciedad en la fórmula del Psycho-Thriller avalan un éxito milagroso.

The Texas Chainsaw Massacre es otro milagro. Estrenado en 1974, fue un éxito entre la juventud inmediato, por su atmósfera inquietante y tono desquiciado.
Se trata de otra película sin presupuesto y semi-amateur. Dirigida por el genio del terror Tobe Hooper, y mostrando la Norteamérica profunda sureña, La Matanza de Texas es otra de esas películas que arrancó un género millonario y desarrolló las bases del cine de terror de los últimos 30 años. Leatherface ha sobrevivido como icono del terror junto a Freddy, Jason, Pinhead, y al otro setentero, Michael Myers.

Sagas como Scream, I know What You Did Last Summer, Saw se han convertido en dinero seguro para los fines de semana juveniles de multicines.
Los remakes de Halloween y Texas Chainsaw Massacre son estilísticamente superiores y de una pulcritud de producción digna de nuestros tiempos, pero el pulso narrativo se ha perdido, probablemente por la falta de ingenuidad del sistema. Esa ingenuidad que permite al pequeño Michael matar a cuchillazos con la cámara en punto de vista subjetivo y una máscara tapando la escena. Es sublime esa pequeña pausa para ver el cuchillo subiendo y bajando en el aire, todo a través del agujerito del ojo detrás de la máscara.

En el mismo 1974, los europeos disfrutaron de Emmanuelle, la nueva diosa del erotismo fílmico. Con sus escenas sugerentes en la lejana y exótica Asia. Y su protagonista de mirada lasciva y cuerpo escultural, Sylvia Kristel.

Emmanuelle representa de nuevo el tipo de película milagrosa, que con pocas pretensiones, bajo presupuesto y una ingenuidad excitante, consiguen obrar milagros. Y Emmanuelle creó tantas secuelas y subproductos que a día de hoy sigue siendo un mito erótico para algunas generaciones nacidas 10 o 15 años despues (aunque en nuestro caso fue producto de Telecinco en sus inicios picantes).
El plot y la trama argumental de la película es realmente vergonzante. Con elipsis de atraco y tiros de cámara estúpidos, es fascinante el magnetismo que crea alrededor de la protagonista y sus peripecias gratuitas. Pero si en algo destaca, es en la ambientación decadente y exótica, bañada en la luz pegajosa de Bangkok.

Durante años, los baños de los aviones estuvieron ocupados, y Tailandia fue unos de los destinos de turismo sexual más famosos hasta los escándalos con menores...
Hoy en día el libertinaje está demodé, y los aviones son lugares terribles donde cualquier movimiento es sospechoso. Así pues, Emmanuelle es una rareza antropológica, fruto de una década extraña, pero muy intensa.

Y no solo de sagas milagro vivía la gente. Como algunos recordarán, Jaws (Tiburón) y STAR WARS pertenecen por derecho propio a los 70´s. Películas que configuraron el noble arte del Blockbuster veraniego y el taquillazo de la ciencia ficción o el terror. Películas que crearon más sagas millonarias e inacabables.

El videocassete nacía, y la industria de Hollywood y el porno decidían los siguientes pasos a finales de los 70´s, emocionados por el comienzo de una nueva industria multimillonaria, el Home Video. La misma industria que se viene abajo en estos años de compartición digital y expansión de las comunicaciones globales.

No puedo dejar de mencionar a otra saga que representa al cine de los 70´s como ninguna. Posiblemente la mejor saga fílmica de la historia. The Godfather, del año 72 y The Godfather II del 74, son un legado histórico y dos obras maestras.
Dos patrones de corte para el cine de las siguientes décadas, al estilo de las películas de Welles en los 40´s, que propondrían las formas del cine moderno.
El Padrino es un manual de lectura del cine contemporáneo. Y sus escenas llenas de violencia consiguen democratizar el cine adulto de disparos ensangrentados y ojos vidriosos, muy diferentes a aquellos retortijones y polvaredas de los cowboys muertos del western.

Las sagas fílmicas representan el orden más alto de producto y franquicia en el mercadeo cultural. Hoy en día se ansía una saga de éxito del estilo de Harry Potter, con 8 películas que recauden cerca de los mil millones de $ y otros tantos miles en merchandising.
Los superhéroes son el presente, con Dark Knight haciendo tanto dinero que todavía no entienden el por qué. Pero cual es el futuro? cual es la nueva saga popular con soporte cultural y proyección en la juventud?

Al parecer, tenemos un ganador, recién salido del horno y con la cara un poco pálida. Chupa sangre y tiene cara de niño, como el cantante de A-Ha. Se llama Robert Pattinson y la saga se llama Twilight (Crepúsculo).
Agotado el filón literario de Harry Potter, la nueva saga de vampiros adolescentes parece lidiar con similares monstruos de quince años ávidos de romanticismo en lata.
La primera película de la saga, estrenada en verano, fue un éxito dado su presupuesto y lugar en la escala evolutiva de Hollywood, siempre cambiante. Nunca tienen puñetera idea de lo que hacen. Probablemente hubiera sido otro arranque de mil millones con el enfoque que tuvo Narnia o The Golden Compass, fallidos intentos de emular a Harry Potter.

La película es sincera, sencilla y emocionante. Enfocada en sí misma, fotografiada en azul lluvioso, y con la química necesaria entre sus protagonistas, Twilight es un bonito inicio.
Catherine Hardwicke hace gala de su pulso narrativo con jóvenes, despues de su exitosa Thirteen (del 2003). Y aporta un halo de derrumbe emocional propio de una adolescente en ebullición ante un vampiro de cara pálida y mirada de escozor.

Las sagas sobreviven a sus autores, a sus escritores, y a sus primeros fans. El tiempo derrumba sus fansites, su fanart, sus posters en la pared y los dibujos en los apuntes de clase.

Muertos nosotros, seguirán leyendo al raquítico Harry con su varita mágica. Y el incombustible Gandalf trotará por Lothlórien. Quizá se pongan de moda definitivamente los vampiros. Y George Lucas hará otra trilogía, celebrando su tercera papada.

La que espero que no sobreviva es la saga de los Wachowski... mejor podrían hacer un esfuerzo y adaptar algún anime de Tezuka, tipo La Princesa Caballero...

Fatso (Arild Fröhlich - 2008)

2009-04-26T22:57:00.007+02:00

Una extraña película noruega ha traspasado fronteras y ha hecho ruido por festivales. El cartel se antojaba extravagante a la vez que facilón.

La película es una tragedia de humor negrísimo. El biopic que solo Solonz se atrevió a filmar sobre el freak gordo y asocial de nuestros barrios. Y el sexo se muestra como pocas veces crudo, sucio y de una dureza cómica muy terrible.

Fatso navega por riachuelos conocidos. Desde el cómic underground mutado en animación a la pornografía anal. Y de todas esas trágicas escenas, algunas de ellas sobresalen como auténticas obras de arte del hiperrealismo fílmico, espaciadas y acolchadas por un grueso humor de risa nerviosa.

Lo peor de todo, sin duda, es el proceso de indentificación. Con una propuesta de realización y un montaje de tono fantástico, se llega a un camino sin retorno no previsto. Incluso con los extraños zig-zags de la narración y algunas elipsis realmente absurdas, Fatso aprieta en la parte más baja.

Una de las sorpresas de nuestro dañado cine europeo. De título poco carismático, pero extraordinaria factura emocional, el film de Fröhlich se ríe de nosotros, apuntando con el dedo, a nuestros genitales.

Moby - Shot In The Back Of The Head (dirigido por David Lynch)

2009-04-17T03:50:00.007+02:00

Moby está acabando su nuevo disco, grabado en su casa. Sale al mercado el 30 de Junio. Y le pidió a David Lynch que hiciera lo que quisiera con el primer single "Shot In The Back Of The Head".

El resultado es obviamente de carácter lynchiano, y recuerda a sus primeros trabajos y cortometrajes, más gamberros y mutilados. Alguien le enseñó a usar Flash...

Shot In The Back Of The Head from Moby on Vimeo.

El lobo y el cerdo

2009-04-16T06:27:00.005+02:00

Un lobo persigue a un cerdo. Tan sencillo como genial. Un japonés loco con su cámara de fotos.

Scarygirl, un juego de Nathan Jurevicius

2009-04-16T01:48:00.005+02:00

Una pequeña obra maestra hecha en Flash. Un juego gratuito de Nathan Jurevicius, un ilustrador y diseñador freelance de Toronto, Canadá. La web y la presentación son de una elegancia envidiables, y el juego es una delicia, por su trabajo artístico, muy cercano a la ilustración moderna, de color plano y formas infantiles oscuras, y su concepto de jugabilidad, limpio y mezclando géneros.

http://www.scarygirl.com

Disfrutad de esta pequeña joya. La música tambien es encantadora, en la linea de American McGee's Alice. Incluso tiene funcion de save gracias al registro con email.

Nueva época para La Ciencia Infusa

2009-04-09T12:33:00.008+02:00

Bienvenidos a la segunda época de LA CIENCIA INFUSA. Poco a poco hemos ganado algunos lectores a la vez que el blog quedaba algo obsoleto y de aspecto sucio.

Despues de un par de retoques, me puedo dar por mínimamente satisfecho con el nuevo aspecto. Luego de toquetear 80 veces el código html... y horas más tarde, conseguí que funcionara en Firefox, Chrome y Explorer (para que Explorer funcionara descubrí que hay que dejar doble espacio despues de un quote de URL...)

Tambien he echado un vistazo a los nuevos gadgets de Blogger, como el panel de seguidores y algunos nuevos feeds de temas variados. Probaré durante un tiempo el gadget de la taquilla de cine en EEUU y los próximos estrenos.

Prometo volver a los artículos de sinsentido y crítica, además de las reseñas de películas y videojuegos. Y como promesa electoral, prometo entrar a los cómics.

Prometo usar los "tags" (etiqueta en ciberslang) a partir de ahora, sabiendo que nadie las usa nunca. Y prometo hablar de Watchmen... cerrando el círculo empezado con el primer post de este blog.

Gracias a los lectores que me sufren, y a aquellos que simplemente leen los títulos de mis posts en su Google Reader. Gracias.

The Storyteller

Nota: Coño, el blog empezó un 9 de Abril del 2007... dos años justos. Repámpanos...

Pantalla antimisiles de Japón

2009-04-07T00:56:00.006+02:00

Despues del incidente del misil koreano, se ha filtrado el organigrama técnico de la pantalla antimisiles desplegada en la costa occidental de Japón.

Las medidas de caso extremo cuentan con la Battleship Yamato y un Gundam. Las primeras contramedidas incluyne una Gothic Lolita de la Muerte, y el Eva 01.

La última esperanza de Japón en caso de que un misil penetre en las defensas es Doraemon equipado con un sombrero mágico.

La Maison en Petits Cubes (Kunio Kato - 2008)

2009-03-17T20:52:00.006+01:00

El cortometraje de Kunio Kato es el ganador del Oscar al mejor corto animado del 2009. Su speech de recogida del premio fue glorioso y divertido. Y su corto comparte tono y sentimiento con una de las películas del año, Benjamin Button.

Independientemente de los motivos que lo han llevado a ganar, esta maravilla animada contiene la esencia de la animación de autor y sorprende por su delicadeza. La sensibilidad de la obra es triste y sobrecogedora. Y su personaje, viaja de lo universal a lo personal en cada plano.

Por suerte, podemos disfrutarlo en Youtube, aunque no sé por cuanto tiempo. Aquí tenemos La Maison en Petits Cubes.

Update: no links...

Tim Burton´s Alice in Wonderland

2009-03-13T08:46:00.012+01:00

Primeras imágenes de la versión de Burton del clásico de Carroll. Y a juzgar por los decorados, tiene mejor pinta de la que esperaba. Aunque el vestuario y maquillaje de Jonnhy Depp como Mad Hatter que apareció hace un tiempo aún me provoca unos calores...

I la infame imagen de Jonnhy...

Via: Ain´t it cool news.

Notas: aquí dejo un cast según la Imdb.

	Mia Wasikowska	...	Alice
other cast:
	Johnny Depp	...	The Mad Hatter
	Anne Hathaway	...	The White Queen
	Helena Bonham Carter	...	The Red Queen
	Alan Rickman	...	Caterpillar
	Michael Sheen	...	White Rabbit (rumored)
	Crispin Glover	...	The Knave of Hearts
	Stephen Fry	...	The Cheshire Cat
	Christopher Lee
	Timothy Spall	...	The Bloodhound (rumored)
	Eleanor Tomlinson	...	Fiona Chataway
	Noah Taylor
	Matt Lucas	...	Tweedledee / Tweedledum

Watchmen Intro Credits

2009-03-08T06:26:00.005+01:00

La escena de créditos inciales es una pequeña maravilla. Entrañable, poética y de una narrativa deliciosa. Un Watchmen en miniatura que se sostiene por sí mismo, a lo largo de la duración de The Times They Are A-Changin' de Bob Dylan.

Nota: Obviamente no duró mucho el enlace...

Lo mejor de la gala de los Oscar

2009-02-25T21:32:00.005+01:00

Probablemente el mejor speech en la larga historia de los Oscar.

Video offline

Traducción:

So heavy.

Thank you very much.

Thank you, my supporters.

Thank you, all my staff.

Thank you, my pencil.

Thank you, Academy.

Thank you, animation.

Thank you my company, Robot.

Domo arigato, Mr. Roboto.

Thank you very much.

10 aniversario del Dr. Manhattan

2009-01-22T22:14:00.002+01:00

Star Trek, de J.J. Abrams

2008-11-18T21:56:00.005+01:00

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La precuela de Star Trek empezó su andadura pública hace unos meses con el teaser de la Enterprise en construcción. El tono del teaser era grave y épico, dándole un empuje y una frescura a la franquicia agonizante. Despues de películas fallidas como Némesis y la terrible y denostada serie Star Trek: Enterprise, J.J. Abrams tomó el mando de uno de los poyectos más complicados de los últimos años.

El trailer que hizo aparición la semana pasada deja en evidencia el lavado de cara y la reinvención de la franquicia, adaptándola a los estándares culturales de hoy y reescribiendo el antiguo humor y aventura de Star Trek; The Original Series en un formato más afin al futuro digital que vivimos y que el pobre Gene Roddenberry no pudo disfrutar (murió en 1991).

http://www.apple.com/trailers/paramount/startrek/

Recomiendo como siempre, bajar la versión 720p, y disfrutar del fantástico opening y setting-up en la Tierra, algo inaudito para una franquicia construida íntegramente en el espacio, exceptuando las contadas apariciones del cuartel general de la Flota Estelar en San Francisco.

Nuevos posters de Watchmen y el ENTERPRISE de J.J. Abrams

2008-11-13T00:22:00.017+01:00

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En estos días han surgido unos nuevos posters de Watchmen, manteniendo la carrera de fondo que finaliza el 6 de Marzo del 2009. Como siempre, aquí los dejo, para disfrutarlos en familia.

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Y hace escasamente unas horas, apareció una foto del diseño final del enterprise en la nueva película de Star Trek que resetea la franquicia, por obra y gracia del prolífico J.J. abrams.
El diseño intenta mantener una estética afín con el inicio de una saga nacida de la space opera de los años 60. Y la estructura conserva un regusto retroficticio mezclado con unas lineas más elegantes. El único pero, como cabía esperar, es que se toma ciertas licencias con el tamaño y disposición del módulo de combate y el de transporte y soporte vital de la tripulación, un elemento clásico en el diseño de todos los Enterprise hasta la fecha.

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Ya de paso, echemos un ojo a los posters publicitarios de Star Trek, aparecidos tambien recientemente:

El Mago de OZ, por John boorman

2008-11-13T00:20:00.003+01:00

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John Boorman, director de Excalibur, Zardoz y la Selva Esmeralda, está desarrollando una nueva película de animación 3D sobre el Mago de OZ.
Al parecer, lleva dos años en proceso de preproducción, y algunos bocetos han salido a la luz. De las primeras propuestas de personaje, se deduce un intento de fidelizar el libro original de L. Frank Baum "The Wonderful Wizard of OZ", donde el Hombre de Hojalata era en realidad un Munchkin, y algunos pasajes eran algo más oscuros que en el famoso musical de Judy Garland.
A primera instancia, parece todo algo blandito, pero hasta ver un estado más avanzado del trabajo no aventuraría a juzgar el tono del film, ya que Boorman es un autor con un sello personal muy fuerte, capaz de saltar de género con una facilidad digna de Kubrick.

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Kung Fu Panda (Mark Osborne, John Stevenson - 2008)

2008-11-11T21:49:00.008+01:00

Dreamworks sorprende muy gratamente con esta comedia de aventuras y artes marciales inspirada en la mitología del Kung Fu.
Ambientada en la antigua China, Kung Fu Panda relata en tono familiar y con el característico acento paródico de la factoría Dreamworks la evolución de un gracioso oso panda encarnado en la voz de Jack Black.

Las elecciones de casting son brillantes, empezando por el acertadísimo Jack black, y la animación escala otro peldaño en los ya increíbles estándares de la productora de SKG. Contemplar a los protagonistas moverse en sus estilos de Kung Fu es una delícia visual, y la banda sonora académica pero épica del ya clásico Hans Zimmer recrea el mito y la leyenda de las historias sobre la antigua China.

Kung Fu Panda aterriza en el año estrella para China. Despues de unas fastuosas olimpiadas y una muestra de aperturismo cultural a veces fallida, la película cimienta un sendero hacia el acercamiento de la milenaria cultura. Pero con el tradicional tono paternalista y de autosuperación que Hollywood imprime a todas sus propuestas familiares. Y muy alejado de los auténticos valores humanos que la historia antigua de China ofrece.

De cualquier forma, y respecto a los valores artísticos y técnicos de la película, como varios críticos han apuntado en los últimos meses, Kung fu Panda se acerca peligrosamente a los estándares de Pixar. Y si sus siguientes películas (Monsters Vs. Aliens y How To Train Your Dragon) mantienen o suben el nivel, podrían retomar la lucha por la supremacía de la animación que tuvieron ambas productoras hace unos años y que ganó Pixar elegantemente.

La construcción de personajes y la estructura de animación de los protagonistas es impecable cuando menos. Pero en algunas escenas de lucha, llegan a un nivel plástico y de composición pocas veces visto en animación. La dirección de acción es limpia y emocionante. Y el desarrollo de personajes como Po o el maestro tortuga Oogway son realmente esperanzadores.

Quizá se deja notar el toque Dreamworks en algunos diálogos. Esas recurrencias y coloquialismos habituales en el cine de animación que tanto molesta a un sector más adulto. Pero sin duda, se ha hecho un esfuerzo en rebajar el nivel de tradicionalismo y conservadurismo en la escritura manteniendo el tono paródico, señal de identidad de la factoría desde Shrek en el 2001.

Kung Fu Panda es una sorpresa muy agradable, con unas elecciones artísticas y algunas escenas realmente conmovedoras, tanto dramáticas como de acción. Y el regusto moral en su caso, es algo más amargo de lo habitual, sobretodo al respecto del conflicto emocional de la película: la relación padre-hijo. Un laberinto emocional lanzado con cierto veneno y acierto, que puede llegar a ofuscar en una segunda lectura acerca de la responsabilidad moral de la paternidad.

Mención especial a la escena introductoria de la película. Animada en 2D, con estilo vectorial y homenajeando al teatro de sombras chino, es una pequeña obra de arte. Heredando el diseño de acción y los recursos de Tarkakowsky, recrea una épica batalla de artes marciales con una espectacularidad y una asombrosa técnica de animación y narración. Una delicia para animadores y un inicio de película maravilloso a la vez.

Un aplauso para Dreamworks, que navega por un mar embravecido para encontrar un filón constante de éxitos, emulando al imbatible Pixar.
Esperamos con muchas ganas sus siguientes dos películas para el próximo año, y quizá le daremos una oportunidad a la poco apetecible Madagascar 2...

Bender´s Game (Dwayne Carey-Hill - 2008)

2008-11-04T21:10:00.009+01:00

Van tres. La tercera película de Futurama aterriza en DVD y Bluray. Grandes chistes, grandes homenajes y una dedicatoria especial a Gary Gygax, fallecido el 4 de Marzo de este año.

Bender vuelve a desencadenar un plot delirante que homenajea a la ciencia ficción, a la fantasía y a la cultura moderna de forma hilarante.
La materia oscura de Nibbler, los juegos de Rol tradicionales y el pasado amoroso de Farnsworth se hilvanan para ofrecernos una divertidísima parodia del Señor de los Anillos mezclado con la imaginería geek de Dungeons & Dragons.
Los míticos dados poliédricos usados en los juegos de rol sirven de punto de partida para construir una historia que deconstruye los estereotipos del género de fantasía medieval. En la evolución lógica de Fry como Gollum y Farnsworth como Gandalf, descubrimos todo el repertorio de elementos culturales que han sobrevivido a la época dorada del RPG clásico, muerto hace ya más de 15 años.
El geek tradicional, fanático de Futurama y Star Trek, ostenta el dudoso honor de ser la primera y última generación que creció con el particular juego sin tablero y dados extraños. Hijos de Gary Gygax, que disfrutarán los guiños y análisis en clave de humor del paso a la modernidad que dieron los personajes de Tolkien en la década de los 80. Haciendo de obras adultas como El Señor de los Anillos algo más digerible a todas las edades.

La introducción previa a la película homenajea de forma brillante al Submarino Amarillo de los Beatles, en un viaje lisérgico y descantillado. Pero el desenlace de la parte central quizá tarda demasiado en aparecer, estirando el primer acto de forma exagerada, y creando recursos de guión realmente retorcidos para justificar toda la segunda parte de la película. Quizá debido al formato cuatricapitular de la emisión de Bender´s Game en EEUU.

De cualquier forma, Futurama mantiene un nivel humorístico y un trabajo de cosecha cultural fantásticos. Los guiños a la cultura moderna y el desarrollo del conjunto coral de Planet Expres nos brindan una familiarización con todos los personajes de la serie. Bender, Fry, Leela, Farnsworth, Amy, Hermes (en un increíble papel como el "Hermaphrodite"), Zoidberg y muchos otros reaparecen autoparodiándose a sí mismos y reconvirtiéndose en sus homónimos fantásticos.

Quizá no es la mejor tratada a nivel de guión, ni tenga las mejores secuencias animadas de las 3 películas que hemos podido ver hasta ahora. Pero sí contiene algunos de los momentos más brillantes en el género de la parodia cultural. Especialmente para treintañeros (que palabra más horrible...) que padecieron la fiebre por el Juego de Rol allá por los años 90.

Descanse en paz, Gary Gygax. Sus fans son tan acérrimos que filtrarán sus enseñanzas en la cultura audiovisual hasta que el último quede en pie.

Fake Teasers

2008-10-04T16:35:00.003+02:00

Aprovechando el festival paralelo Teaserland (Festival Internacional de Trailers Falsos), os hago una recopilación de trailers de videojuegos. Algunos de ellos son de una inventiva maravillosa.

Pac-Man

Tetris

Buscaminas

El Sabor del Sake - Sanma No aji (Yasuhiro Ozu - 1962)

2008-09-25T02:50:00.007+02:00

El Sabor del Sake, o Tarde de Otoño, fue la última película del maestro Ozu. Filmada en 1962, representa el último discurso antes de su muerte. Un discurso que trata sobre la família, sobre la importancia de la boda de la mujer en la sociedad japonesa, y sobre la vejez de los patriarcas viudos.

Sanma No aji es otro de esos pequeños manuales desgastados y elegantes. Un manual sobre algunos asuntos cotidianos pero importantes en la sociedad japonesa, que al final del día, son igual de importantes en occidente.

De un tono habitual en Ozu, contemplativo y deliciosamente afable, sus personajes deambulan por sus años de toma de decisiones. Y alrededor de la soledad y la compañía juegan al juego de las sillas con un vaso de sake en las manos.

El sake, el aglutinante social del japonés. Jodorowsky dijo que los japoneses solo saben ser sociales cuando beben. Y quizás se remonta a su antigua cultura de camaradería marcial, pero los hombres de Ozu beben sake para pensar y hablar, no para olvidar. El sake blanco, y sus hermosos botellines de arcilla decorada son uno de tantos elementos cotidianos en el cine de Ozu que hablan por los silencios.

Las esposas y los palos de golf no se llevan bien. En una analogía eterna, el palo de golf representa nuestra infancia latente, que lucha contra la esposa materna, regañona y por momentos celosa de la intimidad del marido.

Parece ser que la edad de boda de una chica en Japón en los años 60 eran de los 20 a los 25 años. Probablemente aquí fue similar. Y las sutilezas del matrimonio arreglado empiezan a disolverse harmónicamente entre los deseos platónicos y las necesidades familiares. Una época de transición entre dos tendencias de ver la unión conyugal. Una situación eterna que continúa sangrando hoy.

Ozu habla de la vida japonesa en las tardes de Otoño, cuando los japoneses sentían que su vida entraba en una época importante. De los pequeños detalles que lo explican todo. De su pronta muerte. De la soledad en la vejez y la juventud. Y del sabor del sake. Ozu habla de esas pequeñas cosas que importaban a todo el mundo. Pero nunca se casó. Y nunca tuvo hijos. Simplemente bebía y filmaba películas. Necesitaba su tiempo. Necesitaba meditar cual era el sabor del sake en las tardes de Otoño.

Vagos, Wamba, Skype y Promusicae

2008-09-15T03:21:00.020+02:00

Estalló el polvorín de Vagos. Como muchos sabeis, Vagos.es es una comunidad online de usuarios que comparten archivos, manuales, películas, música, apuntes, y casi cualquier cosa que se pueda digitalizar. Desde el 2005, Vagos ofrece un lugar para compartir cosas en descarga directa de servicios de alojamiento temporal.

Para los no iniciados, las descargas directas han migrado de los antiguos e inestables FTPs a los servicios de alojamiento como Rapidshare, Megaupload, Mediafire, etc... Siendo hoy en día una de las nuevas propuestas de intercambio de información al margen de los P2P (eMule, redes edonkey, Limewire, y los aún popluares Torrents). Así pues, siempre han habido dos tendencias, la de descargas no centralizadas por Peer To Peer y un uso de la red cooperativo y lento, y la de las descargas directas por HTTP o FTP de lugares de alojamiento fijos. Y son obvias las ventajas de las segundas, ya que la velocidad es mucho mayor y el archivo está online de forma segura al menos por un tiempo. Pero los usuarios de FTP podían sufrir ataques de seguridad y una persecución legal mucho más peligrosa con la proliferación de actividad de las entidades de gestión de derechos de autor...

Hace unos 4 años empezó a ser popular un nuevo servicio, el de alojamiento remoto de archivos de gran tamaño. Rapidshare es el abanderado de las nuevas compañías de alojamiento, seguido de cerca por Megaupload. Rapidshare es una empresa alemana, y de hecho tiene un dominio nacional aleman y otro internacional que conocemos todos. Se fundó el 10 de Octubre del 2006, hace casi 2 años. Y ha sufrido un crecimiento espectacular, al ser usado por millones de usuarios como método de intercambio de archivos e incluso como herramienta de trabajo.

Muchos usuarios han visto la posibilidad de subir archivos a una excelente velocidad para trabajar remotamente, una tendencia cada día más usual. Y otros muchos han encontrado una solución al intercambio de películas, música y juegos dadas sus elevadas cifras de velocidad de descarga. Y claro, la red está plagada de páginas y foros con las direcciones de los archivos subidos para disfrute popular. Ya que usualmente los archivos de más de 200 MB son partidos en trozos de 100MB, cada juego o película de grandes dimensiones ocupa varios trozos, y cada trozo tiene una direccion http: que la dirige a su correspondiente diálogo de descarga.

Recordemos que hace unos pocas semanas aún se usaba el infame sistema de los perros y los gatos en los captchas de Rapidshare... Pero por suerte ya está fuera de servicio y las descargas son automáticas. Se han dado cuenta de que los usuarios utilizan programas de descarga para poner en cola todos los trozos. Entre otros, se usa Flashget, o los propios gestores de descarga que ofrece Rapidshare o Megaupload. Pero hay un nuevo soft de gestión que está avanzando a pasos agigantados, el Jdownloader, programado en Java, hace que cualquier SO compatible con JAVA pueda instalarlo. Y su rendimiento es magnífico. La velocidad es fantástica y la gestión de descargas y archivos muy eficaz. Incluso detecta automáticamente los captchas de Megauplad.

(un captcha es un código de letras o números que se introduce en una casilla antes de descargar el archivo, por motivos de seguridad, como el de los perros y gatos de Rapidshare...)

http://jdownloader.org

El único pero son las incesantes actualizaciones que el programa pide. Quizá por su aún temprana evolución o quizá por la naturaleza cambiante de los sistemas de alojamiento. Pero es algo engorroso.

Respecto a Vagos, era la comunidad de descarga directa más grande de latinoamérica y España. Las visitas eran de cientos de miles diarias. Y eso es mucho trabajo y mucho dinero potencial en publicidad indirecta. Y claro, era obvio que alguien iba a llegar a comprar Vagos, ya que no podían poner adwords por el intercambio de contenidos con copyright, una norma de Google.

Skype ofreció al dueño de Wamba, una red de contactos a la española, 3 millones de euros si ofrecía un número de usuarios determinado para empezar a operar en España de forma local. Y al dueño de Wamba, un tipo del que se dicen algunas cosas turbias... se le ocurrió comprar vagos y con ello, todos sus cientos de miles de usuarios y visitas.

Pues como era lógico, al ser una empresa con fines claramente económicos y con pretensiones corporativistas, empezó el control de usuarios, la publicidad indiscriminada y el baneo. Y lo peor de todo, el control de administradores. En una carta a la administración, dimitieron unos cuantos admins de Vagos hace menos de dos semanas.

Si es que las redes sociales dan mucho dinero... y mueven muchas cantidades de las grandes redes de EEUU que quieren expandirse a mercados europeos y emergentes. Lo que me lleva a Tuenti, una nueva red social española que está causando furor, situándose por encima de toda la competencia en tan solo unos meses. Aún sigue en Beta, por lo que hay una lista de espera de usarios, pero con invitación de un usuario activo se puede entrar.

Pero volviendo a Vagos, los usuarios han empezado a quejarse en masa. Algunos migrando a otros lugares, otros dejando de estar activos en la comunidad... Cosa que ha producido la apertura de otras comunidades de descarga directa: http://pordescargadirecta.com/
De nombre muy poco imaginativo, se presenta como una de las opciones más sólidas, al estar fundada por un número de antiguos administraadores dimitidos de Vagos. Parece que ya tienen miles de usuarios registrados en unos pocos días... Y al ser nueva, aún no tiene ni publicidad ni grandes restricciones. Pero supongo que todo se andará.

Porque hace unos 3 meses Promusicae amenazó de forma directa a Vagos por sus descargas de música de autores que representan. Y todo el foro de música se vino abajo y se borró, incluso de caché. Aquello dessembocó en Vagos.fm, una pequeña comunidad que hace las veces de su antiguo hermano mayor, pero de gestión no corporativa.

En Sergeek ya se dieron cuenta de la situación. Y en muchos otros blogs se han echo eco la noticia que ha tambaleado las descargas directas y el tráfico de las últimas semanas (el4inquilino, entre otros).

En Vagos hay verdaderas joyas, hilos de historia del cine, de las mejores películas de la historia y una increíble sección de documentales. Grandes películas de la historia del cine español y series de animación clásicas, anime de todo tipo y todo acerca de series como Lost, heroes, Galáctica, Prison Break... así como toda la historia del juego en Pc, Dreamcast, Playstation, Gameboy, Supernintendo... y en definitiva, un archivo enorme y completo de la cultura del siglo XX.

Es una lástima que se pierda toda esa información y no se le dé mantenimiento. Las descargas de películas, juegos y música actual es en realidad lo secundario, ya que se puede encontrar por otros medios y en muchos casos ni siquiera es de mucho interés ni de mucha calidad. Pero el archivo hecho con esmero en estos pocos años de vida de Vagos es fantástico. Hay tal cantidad de información útil que sólo puedo pensar en un futuro donde sea de práctica común visualizar cualquier material histórico cultural a tiempo real alojado remotamente. Probablemente en Google...

Actualizado: añadimos Daleya.com y butacon.com a las opciones de descarga directa, aunque sean buscadores en vez de comunidades. Cortesía de alberto.

Actualizado 2: Hoy tenemos más colaboraciones. añadimos xsharex y taringa a las posibilidades de descarga directa que se nos ofrecen hoy en día. Gracias bydiox.

Y otro más, Directoriowarez. Gracias elRufo.

4Megaupload y gofilez , dos buscadores más. Gracias jusore.

Actualizado 3: Gisicom, para los fans del cómic. Aporte de Givaudan, antiguo admin de Vagos. Y hobbit, antigo admin de e-books, tambien procedente de allí, nos ofrece superVagos.

Gracias a ambos.